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Entradas con la etiqueta ‘Poesía’

Comentario al libro “Vibracions d´Ontinyent”. Mari Paz Sáinz Angulo

 

Hace ya varias décadas que Mari Paz Sáinz Angulo, riojana, llegó y se instaló en la población de Onteniente. Ella, poseedora de una gran sensibilidad, no solo habitó, sino que se fue embebiendo  de la historia, costumbres y tradiciones de esa nueva tierra, a la que aprendió a amar como propia, hecho que fue reflejando en diferentes poemas que fue acumulando y que ahora decide compartir haciéndolos públicos en este libro que refleja su autenticidad mas profunda, sus sentimientos y gratitud hacia esta tierra que la acogió y que sin duda hacen buenas las  palabras de Mario Ruoppolo cuando expresó que “La  poesía no es de quien la escribe, sino de quien la necesita”. Quizás Onteniente necesitaba la sensibilidad y el cariño con los que Mari Paz nos la presenta en este libro de poemas que ha titulado: ”Vibracions d´Ontinyent”.

M. P.  Benavent

Este libro será presentado el 16 de Junio de 2012 a las 18:30 en el Centre Cultural Caixa Ontinyent, calle Josep Melcior Gomis,3 Ontinyent ( Valencia )

La presentación correrá a cargo de Ediciones Fina Perla Plateada, la propia autora, Mari Paz Sáinz Angulo. Ilustrado por:

Academia “Maria Castro”: Alumnos y ex-alumnos; María Castro y Sergio Vidal Caballero.

Recital Poético:

Fuensanta Terol; Mari Paz Sáinz Angulo; Maravillas Cano; Consuelo Giner; Maribel Sansano; Valeriana Llácer; Pascual Limorte

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CONJETURAS Y ESPERANZA (ANTOLOGÍA 1988-2008)

JOHN BURNSIDE

EDITORIAL PRETEXTOS, 2011

Edición al cuidado de JORDI DOCE

 

 

 

“…las afueras tienen siempre una cualidad abstracta, como una frase aprendida de memoria que repetimos hasta que las palabras se vuelven mágicas./ De noche las afueras se transforman.”

 

Vivir en las afueras, en ese mundo cambiante que se asoma al girar la esquina o al levantar la piedra. Vivir en lo cercano, aunque quizá en la fuga sin equilibrio. Burnside es ésto. Pero es mas que palabras encorsetadas en márgenes. Su poesía no improvisa ni se escabulle dentro de una vista cansada; habla de paisajes que han sido y que invisibles al tacto, se recrean en su cotidianidad.

 

La editorial Pre-Textos, en la colección La Cruz del Sur y con una edición a cargo de Jordi Doce, tanto en la selección como en la traducción, nos acerca a la figura del poeta y narrador escocés John Burnside; ganador en 2011 del TS Eliot Prize, cuenta entre sus creaciones con once poemarios, entre los que destacan Common Knowledge (1991), The Asylum Dance (2000) con el que obtuvo el premio Whitbread Poetry, The hunt in the forest (2009), o el volumen de Select Poems (2006). Entre sus obras en prosa, autor de seis novelas, podemos destacar la mas reciente A Summer of Drowning (2011), el libro de relatos Burning Elvis (2000) y dos libros de memorias: Al Lie About Fy Father (2006) y Waking Up in Toytown (2010) donde nos habla de su juventud un tanto difícil y complicada, de las adicciones y trastornos mentales que sufrió durante este período. Habla de su vida nómada, esa que tanto rastro deja en sus poemas, las complicadas relaciones con su padre o su interés por el budismo y la meditación.

 

“..la carga de un lugar y un nombre dados / que descartan al olvidarse por un instante de sí mismos.”

 

Adentrarse en Conjeturas y esperanza, es maravillarse ante lo que supone hallarse en un lugar sin posibilidad de localización, aunque él habla de libros con topografías y mapas y calles, pero en realidad, la adscripción espacial concreta es lo de menos, Burnside dice: “el lugar no es importante”. Burnside reside en esa tierra de nadie que transforma lo real en una manera distinta de usar el lenguaje, ese que utiliza con fluidez,  esa que transpira en su poesía. La tierra de nadie, las afueras (como ese inmenso, en ambos sentidos, poema que descubrimos en las primeras páginas), la ausencia consciente del hogar como sitio o espacio donde acudir, está presente en muchos poemas, esa sensación  de nomadismo late desde lo más profundo. En ese amplio latido que engloba constantes en su poesía que tan bien describe el propio poeta (la meditación, la forma en la que usa el lenguaje, el misterio que se esconde en los detalles o en la naturaleza; la cualidad de insinuación o aparición que deparan ciertos momentos para quienes viven al margen o en los límites del mundo que  conocemos, esas afueras que tan bien retrata y que apenas percibimos; o esa fraternidad que descubre en la comunidad) como el ritmo que ya, desde los poemas tempranos oscila entre los versos sin detenerse ante un tema u otro.

 

“ Sé rápido cuando enciendas la luz / y podrás ver la oscuridad / es lo que decía mi padre / captura / la otravida de las cosas / antes que una mirada.”

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POESÍA DE AMOR Y ENFERMENDAD

LOIS PEREIRO

LIBROS DEL SILENCIO EDITORAL

Reconozco que, aunque sí que conocía la figura del poeta gallego Lois Pereiro, no había profundizado en sus versos de forma continuada. Y ha sido una de esas experiencias desgarradoras, en el mal y buen sentido de la palabra; empecemos por lo malo que no es tal, porque en este caso hablo de un mal que se agarra en lo más profundo porque viaja a lo más profundo del ser humano y eso duele. Mal porque Pereiro en estos poemas, en este libro, escrito poco antes de fallecer, nos inunda con una pasión tan habitable en el dolor de los poetas románticos que cuesta pensar que esta voz no su hubiese escuchado antes con mas rotundidad: “Ya no siento aquel dolor inmóvil / que habitaba mis noches, / despertando a una de las horas más oscuras / siendo consciente de que el día siguiente / no me traería nada muy distinto / del fracaso que me iba derritiendo / con el fuego del infierno en el que vivía.” Poemas de amor y enfermedad, poemas que en el buen sentido de la palabra, se instalan como balas en la recámara, y son fogonazos de luz intermitentes que nos permiten llegar hasta la propia mano del poeta, aquella que nos regala, como testamento vital, estos versos que si de un lado arropan ese canto desgarrado que no era otro que el del final que se avecinaba; de otro, nos permite profundizar en una ansia vital infinita para componer unos versos que él bien sabía que eran los últimos. “Sobrevolabas un día mi espacio aéreo / rozándome con las plumas levemente / y desaparecías con un rumor menguante / como la visión de un sueño / fracasado.”

 

 

Tenerlo al lado para espantar el frío. Esta frase no es mía, ni del poeta. Esta frase es de Manuel Rivas, el escritor conocía bien a Lois, y creo que esa frase define de forma acertada parte de lo que encontraremos al sumergirnos en el libro. Escribió para alejar ese frío que sabía llegaría. Y sabía, que así lo alejaría del lector. Su escritura es contenida, en ningún momento desborda por acercarse a la muerte, al contrario, se muestra cercano a esa certeza aunque prefiere adentrarse en las breves secuencias que habían llenado su existencia.

 

Libros del Silencio, ha realizado una maravillosa edición de su segundo y último poemario, con prólogo de Pere Gimferrer. Resulta curioso que sus obras apenas pasaran o al menos, su voz, durante sus años de escritura, no pasaran las fronteras gallegas, aunque las ediciones que se realizaron de sus obras previamente, antes de ser editadas por Libros del Silencio, se agotaron, en seguida pasaron a ser concebidas como obras de coleccionista.

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Un viaje a Jerusalén, un viaje y el poeta se reencuentra con una identidad perdida, la judía. Desde ese momento este poeta checo pasó a considerarse un oriental nacido en Occidente, lo que marcaría por una parte su experiencia como antropólogo y sus ideas políticas, pero al mismo tiempo su poesía, de la que Celan dijo que fue uno de los poetas “más originales e importantes de la Alemania de este siglo”.

Franz Baermann Steiner, fue un erudito, etnólogo, ensayista y poeta. Formó parte del Grupo Libre de Praga; se traslada a Viena pero al poco tiempo se convierte en un hombre exiliado frente al avance del nazismo, se refugia en Londres donde continúa sus estudios. En 1941, sus padres son deportados al campo de concentración de Theresienstadt y mueren a los pocos meses en el de Treblinka, sin que Baermann lo sepa hasta tres años después, decae su salud notablemente. Fue nombrado profesor de antropología social en Oxford, pero su muerte fue prematura, en 1952, dejándonos sin una continuación no sólo vital, sino poética importante.

 

El volumen que Pre-Textos ha editado sobre la obra de Baermann, con un estupendo prólogo de Jaime Siles, nos regala la figura, imagen y la poesía de un poeta, creo que no muy abordado por lectores en general, pero en particular, de poesía. Su figura, como bien afirma Siles en el prólogo se ha ido recuperando poco a poco. Y nos trae a un maestro del ritmo, un ritmo libre que se cuestiona sin cesar el funcionamiento del tiempo y la memoria, y eso se nota en la primera parte de este conjunto de poemas selectos. El se planteaba el tiempo como un lugar donde se regresa, muchos tiempos donde habitar, de hecho se planteaba “¿De dónde sale la idea de que debe de haber otros puntos en el tiempo entre dos puntos arbitrarios?”. Habla de regresos, quizás de despedidas. Puede que esa situación de refugiado, exiliado y la pérdida de su familia le hiciera situarse en continuos regresos, entre ellos, al de su lengua, la alemana. Como una oda a lo que se establece en un sinsentido.

 

“¿No exclamó la voz: dónde estás, dónde estás?

Ay, entre seres humanos me encuentro.

Muchos de ellos hay, y en torno a casi todos, una casa.

A veces, canciones escuché, se desvanecieron las palabras;

en camino estoy.”

Su poesía parte de una gran capacidad para el regocijo, pero sin dejar de lado esa profundidad al hablar del conjunto de la humanidad. Se adentra en esa segunda parte en otro concepto de la visión de lo que le sucede, hay muchos matices pero entre ellos, una concepción de la mortalidad y esa preocupación por el alma, por el tiempo que recoge el alma.

“me he cansado de vosotros.

Ahora me inclino sobre el sediento margen del jardín”

 

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Vamos a llegar hasta las puertas del submundo, ese que se creía estaba situado en el lago Averno. En realidad, es un lago volcánico, de agua dulce del sur de Italia, concretamente en Campania, cerca de Nápoles que el poeta Virgilio consideró, por el aspecto oscuro y tenebroso como la puerta del entrada al infierno. Louise Glück nos lleva de la mano a esta puerta, metafóricamente la puerta tras la cual, al cerrarla, dejamos esa edad temprana que es la infancía, adolescencia o simplemente las relaciones paternales. Pero Averno es más que todo esto. Averno nace como la materialización de un mito en boca de una de las poetas más importantes de la poesía contemporánea norteamericana. El poeta Robert Hass la llamó “una de las poetas más puras y líricas que actualmente escriben”. Pertenece a una generación de grandes mujeres poetas como Sharon Olds o Jorie Graham, o incluso nombres como Elizabeth Bishop o incluso Emily Dickinson, mas en el contenido que en la forma.

 

Louise Glück, autora de once libros de poesía, entre los que se incluye éste, que edita Pre-Textos, el cuarto de sus libros publicados en España. Pero entre su basta producción poética encontramos obras como Las siete edades, Vita Nova, El jardín, El triunfo de Aquiles, Ararat o el maravilloso El iris salvaje (Pre-Textos, 2006), por el cual recibió el Premio Pulitzer de poesía en 1993.

 

Averno se sumerge en el infierno porque Perséfone es llevada hasta allí. Louise Glück toma como punto referencial para el desarrollo de su poesía en este libro este mito, y a partir de aquí, traza una bella y dolorosa guía donde las relaciones y obligaciones entre madre e hija se plantean como punto fundamental, junto con otros temas recurrentes en ella como son los propios miedos sobre el envejecimiento, o como la memoria siempre regresa para bucear donde casi ya no llegan nuestras manos.

 

“Tengo que imaginarlo/todo/dijo ella  /tengo que actuar/ como si en realidad hubiese / un mapa de ese sitio: / cuando eras niña…”

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Cuando me propuse aprender haiku jamas imaginaria que iniciara este proyecto y terminara en mi primera obra literaria.
Hace 2 años comencé a leer haiku en el red.

Cada haiku que escribí lo guarde. Eran mis vivencias y experiencias en este camino de la vida.
Decidí autoeditar con Bubok por ser un libro muy personal y que esperaba compartir con mis allegados.
Me comentaron lo de Bubok y decidí de hacerme este regalo.
74 brisas de la Luna, era por el año que nací y porque desde ese año, toda mi vida fue un haiku. Tristezas, naturaleza, alegrías, personas influyentes, etc, etc, fueron los causantes de este pequeño libro.
La portada fue un regalo de Iris Ruiz Callejas, que como buena dibujante me dejo sin aliento al enseñarme su idea y que quería compartir por nuestra buena amistad.

La obra esta registrada y lo podéis adquirir en formato papel así como en digital. La presentación aun esta pendiente de confirmar. Les dejo uno de los haiku de mi libro, espero que sea de vuestro agrado.

Pescador sin mar
las gaviotas te cantan
nos abandonas

Reseña anteriormente aparecida en:

http://haikuenaragon.blogspot.com/2011/05/74-brisas-de-la-luna-chabi-angulo.html

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A MODO DE EPÍLOGO

 

“Y yo camino como siempre

sin sendero establecido,

sólo aquel que el azar

me prodiga a cada aliento”

Alejandro Herrera es un “flâneur”, un deambulador. Pocas cosas más poéticas que la errancia, el paseo distraído, sin rumbo fijo ni lugar de destino. La contemplación asistemática de lugares, gentes, circunstancias, dejando vagar el pensamiento es un ejercicio casi místico. El flujo constante de la realidad impresiona a nuestros sentidos y dicta un ritmo a nuestra consciencia, próximo al extravío lúcido y al arrobamiento.

La Sorbona, Notre-Dame, Montparnasse, las Tullerías, el Río Sena, Montmartre, la librería Shakespeare & Co.,  lugares míticos de un París no menos mítico son los que desfilan ante la mirada deseante de Alejandro, hasta provocarle algo próximo al conocido “Síndrome de Stendhal” (“tanta belleza e historia me abruman / un delicioso vértigo me acosa / a cada latido y parpadeo”).

París, la tan deseada, acaba enamorando al poeta (“tengo una nueva amada: / la llaman París”). Pero Alejandro no está en París para morir allí con aguacero, como hizo su admirado Vallejo. Debe regresar al lugar en que ha decidido forjar su “andamio de vida y muerte”. Regresa triste pero lleno con una obra que le sirve para fijar y preservar en la memoria todo lo que ha visto y vivido en su amada París. A partir de ahora la nostalgia teñida del ocre otoñal parisino será la parte más viva de su recuerdo y también la más profunda y personal (“la poesía es siempre individual / y siempre escurre hacia adentro”).

En cierta manera estos poemas me recuerdan a las crónicas que Dickens (gran viajero y paseante sin rumbo fijo) escribía en un semanario y que luego han sido recopiladas y tituladas “El viajero sin propósito”. Hay cosas que sólo se entienden caminando. En ese estado de ánimo que Robert Walser, ese gran caminante, llamaba “romántico-extravagante”. Ir a pie es algo sencillo, hermoso y antiguo. Según Thoureau, el caminante errante es una especie de cuarto poder al margen de la iglesia, el estado y el pueblo.

Creo que Alejandro pertenece a la estirpe de caminantes que hablan el lenguaje de los pasos perdidos, de los pasos que irremediablemente nos devuelven a casa, como a todos los peregrinos.

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En este pequeño libro plasmo la inmensa emoción de volver a Europa después de varios años. Mi última visita a este sabio continente fue en 1994. Han pasado 16 años con un sin fin de experiencias variadas, las cuales han venido conformando, cada una a su manera y con su pertinaz dimensión, mi complejo y multicolor tapiz existencial día con día.

De igual forma -debo decirlo desde este momento- es la primera ocasión que visito Francia y sus incontables maravillas inmarcesibles.

El total azoro no deja de mostrarse a través de mi sangre, huesos y carne. A mis 52 años de edad, me regocijo completamente y como nunca antes, debido a que dichos años me han brindado una casa confortable, un oficio respetable, algunos proyectos culminados, muchos entrañables amigos, la certeza cotidiana del amor de mi querida familia y, ahora, contundente y plena, la presencia de estos países europeos que me revientan de júbilo y gozo por mis cuatro costados excitados.

La poesía -a la cual he descuidado por varios años por diversos motivos injustificables- me resulta sin lugar a dudas la mejor manera de “retratar” mis trayectos y visitas allende mis fronteras natales.
Ya antes lo hice en mis inolvidables trayectos que realizara por Inglaterra, Austria, Italia, Rusia, Checoslovaquia y España.

Siempre resulta semejante le dicha de poner en palabras todo aquello que surca mi cabeza y corazón alborotado.

Finalmente, espero y deseo con sinceridad honda, que estas páginas rindan homenaje a tanto esplendor, cultura, y belleza.
“París, siempre París; yo te canto”
El autor

Alejandro Eduardo Herrera Parra (México, D. F. 1957), cuenta con las carreras de Psicología Social, y Ciencias y Técnicas de la Comunicación. Posee además estudios de postgrado en periodismo y publicidad en la “Putney School of Arts” de Londres, Inglaterra.

Fue corresponsal cultural basado en Londres, Inglaterra (1990-1994) para medios impresos y electrónicos tales como; Stereo Mil F M 87, Opus 94, XELA, FM; Revistas: Expansión, Cine Premiere, Nuevo Siglo, Entrepreneur, Obras, BBC (Sección Latinoamericana), Oficina de Turismo, entre otras.
A la fecha es Director General del sello editorial Tr3s Editores, fundado en el año 2004, con más de 50 títulos editados de varios autores nacionales e internacionales.

Ha publicado los libros de poesía; “La Multitud del silencio”, y “Perséfone” (Tr3s Editores 2008); la biografía de J. R. R, Tolkien, “El Señor de las palabras, (Grupo Patria), presentada exitosamente en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (2003). Publicó también, “Mexicanos al grito de güeva”, “Cómo ser un ejecutivo a la mexicana” y “Viviendo con la muerte”, todos bajo el sello editorial Ediko. Y la obra de teatro “Los Días” (Tr3s Editores (2008). La novela, “Para cuando ella amanezca” (Tr3s Editores, 2009). “El Éxito Inteligente” (Edamex-Alfa Futuro, 2009). “Con el alma en el bolsillo” Poesía. (Tr3s Editores (2010).

Está por publicar una biografía sobre Johann Sebastián Bach (Un día con Bach), así como una Historia Universal de la Filosofía, bajo el sello Tr3s Editores.

Estuvo al frente de la producción y conducción de programas culturales de radio (Pentagrama, Entre Líneas y Notas, Adagissimo) durante ocho años, enviando sus despachos culturales y musicales desde las ciudades de Salzburgo, Viena, Innsbruck, Linz, Londres, Cambridge, Oxford, Elly, Milán, Roma, Venecia, Pessaro, Burgos, Madrid, Toledo, Filadelfia, entre otras.

Ha impartido la docencia en cátedras de Historia del Arte, Crítica Cinematográfica, Apreciación Musical, en la Universidad Intercontinental (México D. F.), Instituto Libre de Estudios Superiores de Occidente (Guadalajara, Jalisco), Universidad Femenina (Guadalajara, Jalisco).

Es guitarrista, pianista, baterista y compositor, y cuenta en su haber con obras sinfónicas: (Suite Orquestal “Cristo” 2004), (Suite Orquestal y Coral “Drácula” 2006 basada en el libro La Historiadora de Elizabeth Kostova y presentada en la FIL de Guadalajara ese mismo año), (Suite Coral y Orquestal “Los Templarios” 2007 presentada en la FIL de Guadalajara 2008); música de cámara y para guitarra sola (“Variaciones sobre un tema de Thomas Tallis”, 2002); (“Momentum”, 2003), música para piano solo (“15 pequeñas piezas para piano”, 2007); música incidental “Frodo el señor del anillo”, 2004); música sacra: (Misa “El Misterio de la Fe”, para soprano y orquesta dedicada a la memoria de su padre, 2008). Sinfonías: (Sinfonía No. 1 “Del Universo”, 2008), Sinfonía No. 2 El Sol Negro, 2009; Tríos, Sonatas, Interludios, Serenatas para cuerdas, entre otras obras musicales.

Ha musicalizado películas y documentales.

Idiomas: Español, inglés e italiano.

Pasatiempos: Lectura, frontenis, gimnasio.

Actualmente radica en el Distrito Federal con sus tres gatos.

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Reseña originalmente aparecida en:

http://erratadevideoteca.wordpress.com/2010/10/14/critica-perra-mentirosa-marta-sanz/

De nuevo una pausa ante la ingente cantidad de novedades. Pero esta vez es tan necesaria que olvida la necesidad de seguir el curso editorial del día a día para entrar en esencia en el blog. Todo empezó hace un par de días cuando las erratas, a las que, por otro lado, les comenté que detuvieran la búsqueda de libros pues acabarían con nuestra economía, me hicieron caso omiso y encontraron el título que hoy nos ocupa.
Me comentan que han encontrado una cosa sumamente importante. Como siempre, la palabra la tiene la errata cuerda (a la que empiezo a pensar en llamarla de alguna forma), pero noto como mira a la desviada mientras me habla.
-Os pedí una pausa…¿cómo es que habéis vuelto a salir?
-Eso no importa ahora.
-Sí que importa.
Entonces me hacen callar sacando la portada del libro encontrado. Lo consiguen. Me quedo mirando la portada. En ella, un fotograma congelado de “Rebecca” nos muestra las caras de sorpresa de Joan Fontaine y Judith Anderson. Encima de ellas en tinta roja, el título reza “Perra mentirosa”

Me asombro…miró a la errata loca. Ella me mira sonriendo y dice: “Anoche soñé que volvía a Manderley”.
Lo han conseguido. Han destrozado cualquier objeción a su traición económica (¡otro libro más!). Suspiro…y digo: déjame ver.

“Perra mentirosa” es un libro de poesía escrito por Marta Sanz. Hasta el momento no conocía a la autora aunque más tarde descubriera que había escrito alguna novela y reconociera algún título como “Black, black, black”. Debo ser sincero y decir que no estoy acostumbrado a tratar con la poesía, menos a criticarla, pero me atreveré dado que se trata de algo especial.

“Perra mentirosa” es un volúmen que contiene un total de 35 poesías. Se ha publicado conjuntamente con “Hardcore”, de la misma autora y que se inicia al otro lado del libro. En esta reseña nos ceñiremos por completo a “Perra mentirosa”, sin más razón que la de haber comprobado que se trata de una obra completamente cerrada, de temática clara y concreta.

Marta Sanz consigue pasear al lector por paisajes muy internos y personales a través de una voz dura, fría y llena de autocrítica. A través de estos paisajes el carácter fuerte, descarado e incisivo de Marta Sanz nos introduce en temas que abarcan todo tipo de feminidad.
Sin acercarse al feminismo puro y duro más que en contadas ocasiones (tal vez las veces más explícitas son las referencias a artículos de limpieza), Sanz opta por dirigir sus miradas hacia la degeneración del cuerpo, sea la vejez, sea la enfermedad. Ésta juega un papel importante a lo largo del conjunto de la obra, siendo el caso más claro el del poema “En los sueños”, en el que la autora se refiere a un tumor del que es incapaz de reconocer como propio a pesar de esa calva que me ocupa la mitad del cráneo.
Y es que Sanz se enfrenta al tema de la enfermedad con cierto punto de frialdad, acercándose a un humor negro que nos lleva a la culpabilidad y a la angustia. Expone el cuerpo como algo principal, tal vez una forma de crítica a la sociedad del culto al cuerpo. Pero se introduce en el tema con cierto compromiso, alejándose de la crítica típica y tópica, para hablar del cuerpo como el “yo” más directo que se comunica con los demás.
De esta forma, abogando por la necesidad del cuerpo, se realza lo más intrínseco del ser humano, a saber, el miedo a la imperfección. Y al fin y al cabo, tan unidos van la carne y la imperfección.
Escogiendo flesh como la palabra perfecta para describir a la carne porque es blanda y es sensual y salpica al ser pronunciada (en el poema “Flesh”), Sanz nos enseña la dualidad inseparable y necesaria que comparten la carne con la imperfección. La carne, ya presentada como iniciadora del pecado en los arquetipos cristianos, es la vía a la enfermedad, la forma externa de la vejez y en definitiva, la más clara forma de vida (y, por lo tanto, degeneración).

Así pues, Sanz opta por abrazar lo imperfecto pues con la fealdad también se pueden tejer volutas metafóricas (del poema “No me importan”). Y pone de manifiesto dicho verso en su obra a través de poemas como “Y al final todo”, en que describe la presencia inseparable en la vida de lo más inferior en la escala de valores de la belleza:
la orina que perfuma el amarillo de tu pelo tan rubio/y del orificio que, imprevisiblemente,/ a la hora de la siesta,/ se pone a latir,/ se ensancha/ y deslizándose/ busca,/ arriba y abajo,/ desde el pelo del pubis al agujero del culo,/ su tierno pistilo.
En definitiva, la autora no deja de sacar a relucir sin la menor intención de causar polémica (lo cual sería craso error), todo aquello más desagradable y deleznable que, sin embargo, forma parte de nosotros. Y lo hace en pos de escribir poesía, convirtiendo la fealdad en belleza.

Y es aquí donde llegamos al quit del libro. Pues en definitiva, Sanz no hace más que hablar de la concepción literaria desde su punto de vista personal. Tanto es así como que aquello que nos inquieta, nos pone en situaciónes de ética dudosa, nos angustia…en definitiva nos atrae. Y es de eso de lo que habla cualquier autor. A través de la degeneración del cuerpo, Sanz intenta hablar de la capacidad (o incapacidad ) de convertir en arte la fealdad. Y es en este momento en que saca a relucir los términos de perra mentirosa en contraposición a la gata doméstica y amigable pero ser de naturaleza animal.
En esta nueva dualidad reside la metáfora que habla de la voz artística (la perra mentirosa) frente a la voz de la razón (la gata doméstica). La perra no hace más que dictar a la autora las mentiras bellas en las que residen las verdades felinas.
Así pues, la figura del gato, gran representante de la feminidad, se presenta aquí como el humano-lobo, animal que se contradice, jugando a ser el animal doméstico descubriéndose a la vez su faceta innata de animal salvaje.
La perra, insulto ampliamente adquirido en la actualidad y usado contra el género femenino, es el animal de mirada humana, capaz de adueñarse de los instintos más oscuros para metamorfosearlos en poesía. Y yo no escribiría ni una línea/si no fuera por la perra que me lame la mano, dice Sanz en “Y yo no escribiría” transformando en musa a la perra.

Y es desde esta perspectiva que entenderemos el poema con el que se inicia el volúmen, “Anoche soñé”, en el cual la voz de Sanz acoge las frases iniciales citadas en voz en off enla película de Hitchcock/ la obra de Du Maurier. A esta voz en off de la dobladora de Joane Fontain la llama “Perra mentirosa”, pues no deja de mostrar de forma perfecta la esencia de la ficción, de la palabra como belleza. Una frase anclada en la mitología del mundo del cine que se hace eco de la narrativa y que casi surge de la poesía. Pues nadie hablaría con la voz, tan cursi y comprensiva, del doblaje de Joan Fontaine que soñaba sueños extraños.

En la frase que la errata loca no deja de repetir alternándola con “Sí estuviste el año pasado en Marienbad”, Marta Sanz encuentra la esencia de la voz poética, la capacidad de convertir en sublime las experiencias más temibles y las inquietudes inherentes de la condición humana.
No hace falta decir que la errata loca tal vez sea la errata lúcida.

http://erratadevideoteca.wordpress.com/

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Apoptosis es la segunda obra poética de este genial poeta hispano-venezolano.
Publicada en Abril de este año 2010 dentro de la colección El gato errante de poesía de Versos &Reversos, Apoptosis vuelve a ser un nuevo ejercicio de exhibicionismo y desnudez poética de José Diego Mils. Para ello, vuelve a servirse, a lo largo de los 49 poemas que conforman el libro, de su particular lenguaje mordaz y desgarrador, cargado de ironía y de escepticismo, donde toman un relieve destacable disertaciones acerca de la soledad, del vacío existencial, del desencanto respecto de la realidad social que le ha tocado vivir, del sexo y del amor. A lo largo del libro pueden encontrarse referencias literarias diversas. Salta a la vista, por su estilo crudo a la par que profundo, así como por algunas pinceladas poéticas algo más explícitas, la influencia de autores, por un lado, cercanos a la generación Beat como Charles Bukowski y Allen Gisberg y, por otro lado, autores latinoaméricanos como Girondo, Galeano y Caicedo.
La nota del editor en las primeras páginas es fielmente reveladora sobre lo que vamos a poder encontrar posteriormente en el libro. Reproduzco literalmente las palabras de Daniel Ramos: «Leer la poesía de José Diego Mils supone aventurarse a realizar un ejercicio de desgarro y de conciencia. Uno regresa, cómplice al epicentro, al útero de sus propios paisajes interiores, a su propio dolor, a su propio abismo, a su propio laberinto dérmico, a su propia trinchera emocional. Sus versos, veneno y aguijón, perfume y alcantarilla introspectiva, son utilizados exquisitamente como sofisticados artilugios de autoconocimiento, de autoindagación, como intrépidos exploradores de nuestras humanas geometrías imperfectas, fraguados a las puertas del templo de la contradicción, de la ambivalencia, del quiste emocional. »
En definitiva, un poemario formado por 49 excelentes poemas sin desperdicio alguno.

Ficha:

Título: Apoptosis
Autor: José Diego Mils
Edita: Versos & Reversos
Colección: El gato errante
Género: Poesía
ISBN: 978-84-614-0477-3
Formato: 21x15cm, Rústica, 48 páginas
Precio: 5,95 €

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