Coincidiendo con el estreno de “[REC] 3 Génesis” de Paco Plaza, ha salido a la calle este curioso cómic con cinco historias descartadas de las dos primeras y notables películas, y un prólogo finalmente no incluido en la nueva entrega, un film que ha cambiado el estilo habitual de la saga.

Afirmán Balagueró y Plaza que algunas de estas historias eran demasiado extremas para ser filmadas. Por desgracia, el cine no es un arte tan libre como otros y es fácil adivinar la polémica que se podría haber montado si esas ideas, ricas en irreverencia, humor negro, sexo salvaje, abundante gore y repletas de ingenio y mala leche, hubiesen visto la luz en la gran pantalla. Eso por un lado. Por otro, quien esto escribe, no deja de lamentar lo que parece ser un acto de autocensura de dos de los directores más interesantes de nuestra cinematografía.

Gracias al entusiasmo de Hernán Migoya, que por estas fechas también ha publicado el cómic “Plagio. El secuestro de Melina”, junto a Joan Marín, podemos disfrutar de este irregular pero estimulante y potente cómic, recomendable para cualquier seguidor de la saga.

El brutal “Encerrados“, que cuenta una subtrama no cerrada de la segunda película, tiene trazos de manga cortesía de Andrea Jen y un desarrollo de lo más potente. Tal vez en otras historias la trama no explote del todo la idea central, pero “Tristana“, con un acertado uso del blanco y negro, el desmelenado “¡ Zombie !” y “El experimento”, proporcionan las dosis adecuadas de diversión, ideas frescas y calidad. Algo que no cumple el flojo “El desconocido” donde ya se intuye el cambio de estilo del horror habitual a un toque más Sam Raimi, y frívolo, y que como cómic, no se puede comparar a las otras historias.

Con portada y contraportada de Alejandro Colucci e ilustraciones sueltas de 18 artistas diferentes, del mismo Colucci al mítico Miguel Ángel Martín, y que tienen una calidad muy desigual, [REC]: Historias inéditas es, en conjunto, un buen trabajo que cuenta con la inesperada peculiariedad que las historias las presenta, al estilo del viejo “Tío Creepy”, la niña de Medeiros que va camino de convertirse en un icono del género fantástico, algo a lo que ayudará, sin duda, la cuarta película y lo que prometen ser nuevas entregas en el noveno arte.

Balagueró y Plaza, al margen de estas películas ambientadas en Barcelona, dirigieron también juntos otro film de terror extremo que no me he atrevido a ver por las pesadillas que, seguro, iba a tener tras su tortuoso visionado.

LA CENOBITA

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Un cómic que se lee en un santiamén y que bajo títulos tipo “Cómo llevarte bien con los imbéciles de tu asqueroso trabajo” o “Los 9 tipos de jefe”, retrata con mucho humor negro, suma causticidad y esa inteligencia que delata su creación más famosa, eso que hoy no abunda, buscan desesperadamente millones de personas y amarga la vida a buena parte de la población activa mundial: el trabajo.

La verdad es que Groening, con sus famosos conejos-monigotes, nos retrata demasiado bien: nuestros miedos, nuestros deseos, las humillacines laborales que sufrimos o llevamos a cabo, y un triste y largo etc. Detrás de las risas hay una visión muy perceptiva, cínica y hasta triste de la condición humana y de la mediocridad a la que estamos condenados. Todas las situaciones son, algunos en el fondo, muy verosímiles y reconocibles y la lucidez del creador de “Futurama” llega a su clímax en la viñeta “Trabajo-el juego” donde las reglas son: “El juego consiste en dar vueltas y más vueltas y más vueltas al tablero. El jugador de más edad empieza el primero. El jugador más rico se echa a un lado, observa y se ríe”.

Se recomienda hacer trampas, pero sin ser descubierto. El castigo podría ser severo. Se tolera el juego limpio, pero sin ser descubierto. El castigo podría ser severo. El juego termina cuando mueras.

Igualito que la vida misma, aunque Groening no menciona la maravillosa “jubilación”. Si es que llegamos, claro, aunque bien pensado, lo cierto es que en su país no es nada extraño que personas de la tercera edad no puedan acceder a ella ( aqui vamos a eso ).

Esta recopilación de sus historietas de los años 80′ no se limita al maravilloso mundo laboral donde el ser humano tanto aprende, se codea con personas excelsas y tiene que buscar las palabras “despido”, “enemigo”, “putada”, o “hijos de la gran…” en el diccionario. De hecho mis páginas favoritas son esas portadas de revistas llamadas “Adolescente cabreado” – con titulares tipo “Cómo robarles dinero, alcohol y drogas a tus estúpidos padres” o “Cómo colocarse con los productos de limpieza que tu madre guarda debajo del fregadero” – o “Irritantes lunáticos callejeros”, con mi titular favorito, el muy pertinente, de moda y actual, “Palizas policiales: el masaje del pobre”.

No todo vale la pena y n otodo es tragicómico, véase esa historieta basada en una conversación que oyó Groening en un café y que es digna del mejor Easton Ellis, pero es un gran trabajo cargado de hiel, sumamente divertido que demuestra, una vez más, que su autor es uno de los mayores talentos cómicos, de humor negro, surgidos en los últimos 30 años. Por lo menos.

EL GALLO QUE PELEA CONTRA PETER GRIFFIN

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Remember, remember, the fifth of November…

“Las ideas son a prueba de balas”.

Pienso que esta frase define perfectamente la esencia de V de Vendetta, a las personas  se las puede matar, a las ideas no, son inmortales, atemporales, universales, no tienen dueño, ni las suele definir un solo individuo, por eso el protagonista de este cómic no tiene rostro, ni nombre –aunque se hace llamar V-, sí tiene una historia, pero toda idea tiene también un origen. No importa quién la defiende, y en este caso tampoco parece importar el cómo se defiende, pero si qué se defiende, y para conseguirlo, en este caso, el que inicia e incita a la revolución es anónimo, solo es reconocible a través de una máscara, una máscara que cualquiera, en cualquier momento, podría ponerse… las ideas son a prueba de balas, V también.

Todo comienza un 5 de Noviembre de 1997 en un Londres inmerso en un invierno nuclear, devastado por la guerra y con una dictadura fascista a cuestas en la que todo se controla, la “Cabeza” se encarga de ello, el Líder, y para eso tiene: al “Ojo” -que todo lo vigila a través de las omnipresentes cámaras y al que pocas cosas se le escapan-, la “Oreja” –cuyos micrófonos tienen poco que envidiarle a las cámaras del Ojo-, la “Nariz” que se encarga de investigar o mejor “fisgonear” cada suceso, los “Dedos” ejecutores sin escrúpulos y sin objeciones de cada una de las órdenes de la cabeza, y como no, “la Voz” aparato propagandístico y único medio de comunicación. Un 5 de Noviembre, el mismo día de 1605 en el que Guy Fawkes, por la libertad religiosa, planificó sin éxito volar el parlamento inglés y matar al monarca y que sería conocido como el “Complot de la pólvora”, el día de 1997 en el que un héroe anónimo emulará a Guy Fawkes poniéndose una máscara con su rostro, pero esta vez con mas éxito a la hora de volar el parlamento. Pólvora y fuego son el arranque de esta historia de venganza, lucha y revolución orquestada por un desconocido enmascarado y la ayuda de su joven pupila Evey Hammond -a través de cuyos ojos iremos descubriendo poco a poco a V y comprendiendo su mensaje- que será testigo en inicio y heredera finalmente de un papel en una función que “debe continuar”.

Cómic escrito por Alan Moore (autor, entre otros muchos trabajos, de Watchmen y From Hell) y en el que la ilustración corre a cargo de los lápices de David LLoyd (con un estilo sombrío y realista) y que vería la  luz  por episodios en 1982. En el tiene cabida un mundo de ideas, pero es sobretodo un alegato anarquista, como dice V: “Anarquía significa “sin lideres”, no “sin orden”. Con la anarquía llega la edad del Ordung, del orden real; es decir, del orden voluntario”. Un orden voluntario en el que cada individuo tendría el derecho a decidir y la obligación de responsabilizarse de dichas decisiones. Los primeros episodios fueron publicados en blanco y negro, pero la serie quedó inconclusa, sería DC en 1988 quien volvería a publicarla y la finalizaría, pero esta vez en color (aunque los tonos son muy apagados y hay muchas zonas en las que domina el negro).

La novela sería adaptada al cine en el 2006, dirigida por James McTeigue, guionizada por Larry y Andy Wachowski con el apoyo de David Lloyd (Alan Moore por el contrario renegaría y se desentendería de la adaptación) y protagonizada por Natalie Portman y Hugo Weaving. De la película me quedo con una frase: “El pueblo no debería temer a sus gobernantes, los gobernantes deberían temer al pueblo”.

V, una V que como letra responde a Vendetta pero como número (5) nos conduce al origen de la misma o al día en que todo comienza entre explosiones “El ruido es en relación al silencio que le precede. Cuanto más absoluto es el silencio, mas impactante es el trueno. Durante generaciones, nuestros señores no han oído la voz del pueblo, Evey… y suena mucho, mucho mas fuerte de lo que pueden recordar”. V y su máscara  se han convertido en símbolo e icono en la actualidad, se asocian a lucha, derechos, revolución, justicia, libertad…

Aunque el conjunto me parece espectacular destacaría dos momentos, la conversación que tiene el protagonista con la “justicia” y el discurso que da a la nación. En mi opinión, también se podría decir en este caso, que esta V, es una V de Victoria.

Ay! si Guy Fawkes levantara la cabeza…

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Ronin. (Literalmente “hombre ola” – un hombre errante como una ola en el mar) Samurai sin amo durante el período feudal de Japón.

Esta historia comienza con un samurai, un samurai sin nombre, que al perder a su señor, y con él su honor, se verá transformado en un ronin obligado a vagabundear en soledad y con el único objetivo de mejorar su técnica de lucha y el uso de la catana para  encontrar la manera de vengar a su señor y recuperar así su honor perdido y la paz para el alma de ambos… pera las cosas no son tan fáciles cuando se lucha contra demonios y maldiciones… no contaré mas, pero si diré que la trama se alterna entre el Japón del s. XIII y un Nueva York postapocalíptico y devastado del s.XXI, Frank Miller mezcla samuráis con biocibernética, señores feudales con poderosas corporaciones, demonios con inteligencia artificial, evolución y retroceso, tecnología, robots, sentimientos, traumas, investigación, regeneración, psicoquinesia, con guerreras, morlocks caníbales y espadas mágicas…. Hablamos de un cómic distópico con algo de estética ciberpunk en el que no todo es lo que parece y el honor, el deber y la venganza se entremezclan con manipulación, superación, lucha, ¿libertad?…

A pesar de que Miller nos tenía acostumbrados a un dibujo con claras influencias del comic-book de superhéroes (Daredevil, finales de los 70-inicios de los 80), en Ronin (1984) destaca la evolución gráfica influenciada tanto por algunos artistas europeos (Moebius) como por algunos clásicos de la historieta japonesa (el manga “El Lobo solitario y su cachorro”). Destaca la técnica de entintado, tanto los trazos gruesos y sucios para las escenas urbanas como los finos y precisos para los interiores. Lynn Varley hace uso de una amplia gama de colores que además emplea para dar vida propia a cada uno de los escenarios de la historia (juega con los tonos fríos o cálidos) y a los sentimientos y sensaciones que se asocian a cada personaje. En “Ronin” la historia te puede gustar más o menos, pero solamente por el estilo (dibujo y color) ya merece la pena.

Frank Miller es conocido por ser autor de cómics como “Daredevil, El hombre sin miedo” o “Batman, Año Uno”, entre otros, pero sobretodo por “Sin City” o “300”, los cuales han tenido mucha repercusión mediática debido a su adaptación al cine

“…Los monstruos dominan el mundo.

Un esclavo demonio grazna a lomos de un caballo; solo se ve su boca inhumana bajo su casco de mimbre. El esclavo demonio levanta un brazo mientras cabalga deprisa. De su manga, salen garras de metal atadas a cadenas.

Las garras hienden el aire. Van a clavarse en un guerrero samurái que deja caer su delicada catana y muere agonizando. La sangre fluye sobre la piedra desnuda como un torrente.

Los monstruos dominan el mundo…”

Trillian.

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El príncipe valiente,  cuenta la historia de un joven caballero que vive junto a su padre en Thule. Son despojados de sus tierras por un cruel usurpador, Valiente se salva junto a unos pocos seguidores y se ocultan en los pantanos para fortalecerse nuevamente y recuperar lo que fuera suyo. Allí comienzan algunas de sus aventuras que van fortaleciendo el carácter del joven. En una de ellas le salva la vida a un importante caballero y este en agradecimiento lo contrata como escudero.

Su llegada a Camelot aviva en el joven el deseo de ser caballero. Al pasar algunos años su mentor le da el titulo tan ansiado y pasa integrar las huestes del rey Arturo,  llega a compartir con  ellos la gran Mesa redonda. Hace nuevos e importantes amigos así como también adquiere otros enemigos. A lo largo del relato nuestro héroe recorre numerosas tierras y continentes, conoce a la joven Aleta reina de las islas Brumosas. Se casa con ella y tiene varios hijos, pero su derrotero de aventuras continua incansablemente. Sera a través de su hijo mayor Arm que la saga continúe casi hasta nuestros días.

Ambientada en una edad de fantasía y emoción, no faltaron peleas con gigantescos monstruos, brujas y crueles caballeros sin códigos de honor.

Pienso que Príncipe Valiente  se merece una página aparte de las historietas. A su manera fue quien abrió las puertas para los libros de historia novelada que tanto éxito tienen por estos días. Por el gusto que dejan en nosotros saber más de un tiempo que pasó y no podremos olvidar fácilmente.

Al escribir ahora quisiera poder tener algunos de aquellos libros en mis manos y sentarme a leerlo como entonces.

Lilix

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Historietas III

“El Eternauta”(semanal 1957 -1959) Autor: Héctor G. Oesterheld

                                                          Dibujante: Francisco Solano López.

Seguramente se han leído muchas historias de súper héroes; Superman, Batman, los más conocidos y muchos otros que llenarían páginas.

A través de ellos hemos conocido otros mundos, supimos de la valentía y el honor, los villanos eran muy malos y desalmados, aunque alguna vez nos hubiera gustado que ganaran.

Nosotros también tuvimos nuestros súper hombres o mujeres, Mafalda es sin lugar a dudas nuestra embajadora más conocida, no tenia poderes, no levantaba locomotoras, bastaba  sus palabras cargadas de verdades que nos dejaban mudos.

En la década del 50 apareció como entrega semanal “El Eternauta”, relato de ciencia ficción que nos lleno de angustia. Juan Salvo, su protagonista aparece en el futuro de su propio yo para contar una rara historia…

Una nevada que cae en Buenos Aires, que mas tarde se sabe fue mortal, así comienza la invasión de los “Manos” que con su ejército de Gurbos y Cascarudos asolan la ciudad, creando un estado de anarquía entre los pocos sobrevivientes. Maquinas de rayos y extraños hombres completan el escenario en el que se desarrolla la trama de esta historieta.

Juan Salvo junto a su esposa, hija y un puñado de amigos intentan alcanzar el lugar donde se refugian los que aún no han sido descubiertos por la nevada.

Aquí la mano del dibujante es fundamental, para darnos aquello que nuestro cerebro no quiere o no puede imaginar. Muchas de las batallas son en lugares históricos de la ciudad capital de la Argentina, ejemplo: la batalla en la cancha de River Plate donde se ha establecido el puesto de mando de los que resisten a los invasores.

Hoy sigue siendo una comic de culto, son muy pocos los ejemplares originales que aún perduran, y seguramente están en manos de coleccionistas o personas simples que solo los atesoran como recuerdo del héroe que todos quisimos ser alguna vez.

Lilix

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Historietas/comics 2 –

La revista Intervalo perteneciente al grupo Columba, se destacaba por el carácter romántico de sus historias.  Apuntaba a un público netamente femenino.

Una de aquellas historias se llamaba “Gente de blanco” escrita por José Luis Arevalo. La trama se centraba en un medico y sus anécdotas  en el hospital en el que trabajaba. Además escribía y casi siempre lo hacía para contar alguno de los casos que pasaban por sus manos. Conoce a una enfermera, se enamoran y luego se casan. Más tarde nace su hija y queda viudo. A pesar del dolor se entrega de lleno a su pasión la medicina, mientras que trata de criar a su hija, inculcándole valores que hoy por hoy se han perdido.

Cada relato transmitía la lucha por la vida, el temor a la muerte y lo mucho que hacían los médicos y enfermeras para apagar un poco los males que aquejaban a los pacientes.

Algunas de las historias se comprometían con hechos de la vida real, como el holocausto judío o catástrofes que salían en los diarios de la época.

Recuerdo especialmente esta historia, porque era mi preferida, admiraba al escritor y por supuesto al dibujante, que de alguna manera le había dado vida a un personaje entrañablemente humano.

Hoy tenemos series que hablan de los hospitales. Series que nos permiten conocer un mundo donde el dolor es el rey absoluto y la muerte su ama de llaves. Donde la crudeza se lleva un poco de lo lirico que tenían aquellos relatos.

Yo disfrute aquellas lecturas de hospitales, me enseñaron que nada es eterno, ni nada es efímero, que la muerte podrá llevarse nuestro cuerpo, pero no nuestra alma.

He buscado alguna de aquellas revistas, pero quienes las atesoran no se desprenden de ellas. Qué pena que no tengamos aquellas historietas, que aquella época se haya ido y solo quede en el recuerdo de unos pocos…

Lilix.

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Historietas/Comics: NIPPUR de LAGAST

En la década del 70 en mi País (Argentina) había muchas buenas publicaciones de historietas. La editorial Columba era la que llevaba la delantera. Creadora de la revista el Tony (1928) le siguieron muchas más: Intervalo, Fantasía Därtagnan etc…

Los dibujantes y guionistas que escribían las historias, creaban verdaderas obras literarias. Los personajes cobraban vida y nos regalaban horas de sano esparcimiento y tardes gloriosas de verano.

Aún conservo algunas de esas revistas, verdaderos tesoros de una época que no creo vuelva a repetirse.

De alguna manera me gustaría homenajear aquellos héroes que me permitieron crecer en mi pasión por la lectura, aunque debo decir que leer historietas estaba por debajo de lo que se consideraba “la buena lectura”.

Una de las historias tenía al protagonista llamado Nippur de Lagast. Era un guerrero sumerio, pierde a su familia a manos de un tirano. Logra escapar con la ayuda de un noble anciano. Se jura que algún día cobrara venganza por la muerte de su familia. Así comienza por capítulos, el relato de quien luego será llamado el errante. Cada una de las narraciones con final abierto me permitía conocer un mundo donde los hombres tenían como amigo a su espada. Se destacaba el sentido de nobleza del protagonista, su única bandera era de llevar justicia en los lugares donde no los había. Cada detalle era dibujado a la perfección y no quedaba nada que el dibujo no nos brindara para ayudarnos a comprender el argumento.

 Nippur  fue uno de mis primeros héroes, tenía algo de Superman o de Batman, podía liberar batallas terribles, solo él contra todos los malos, podía caer mal herido, desangrarse, morir de sed o hasta enamorarse y yo sabía que en la próxima entrega de la revista, estaría como si nada hubiera pasado.

Bueno en próximas entregas les contare más acerca de “Las historias con dibujo”… Así se las pedía a mis padres.!!!!

Lilix

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“Comedia de acción salvaje” mucho antes que nuestro Álex de la Iglesia acuñara el término.

Esta continuación de “Juez Dredd. Necrópolis” se puede disfrutar sin haber leído habitualmente a este carismático personaje hasta homenajeado por “Anthrax”.

El guión es de, nada menos, el salvaje Garth Ennis, el loco creador de “Predicador” y entre los diversos y brillantes dibujantes, se puede encontrar a Carlos Ezquerra, el creador original, junto a John Wagner, del cómic.

Probablemente no es de los mejor del juez Dredd y se ha alejado algo de las raices originales. Los diálogos, salvo excepciones, no tienen el ingenio lapidario de otras veces y el guión, con su potente premisa inicial y unas cuantas buenas ideas, es endeble, con detalles sobrenaturales absurdos. Da la sensación de que esto ha sido un encargo para Ennis y como tantos trabajo de esta índole se ha limitado a cumplirlo con profesionalidad y corrección, dándole un buen ritmo a esta historia de zombies futurista ultramacarra. ¿Que aquí nos cargamos a 30 millones de personas? ¡Adelante!. Al juez Dredd no le temblará el pulso. ¿Sesenta millones de Zombies? Al personaje y a su aparente némesis, Johnny Alpha, eso les importa un carajo. Hay un tono exagerado y hasta humorístico que lo alejan de los típicos bodrios cinematográficos de Chuck Norris ( el hombre que contó dos veces infinito ) o Steven Seagal.

Todas las lagunas de la historia son más o menos tapadas por el excelente y variopinto dibujo, que lo acercan a una historia de horror,  la acción y el Gore desmelenado. Así, “Juez Dredd, el día del juicio” no es, ni de lejos, un gran trabajo, pero aguanta suficientemente el tipo para proporcionar un buen rato.

Incluye tambié una breve historieta, pseudosecuela directa de “El día del juicio”, titulada “El hombre más o menos muerto”, que no pasa de anécdota.

“El juez Dredd” tuvo una adaptación americanizada al cine que disgustó a sus seguidores. Dirigida por Danny Cannon con Stallone en el papel principal y un reparto estelar ( Diane Lane, Armand Assante, etc ). Lo cierto es que su primera hora, pese al típico gracioso de Hollywood empeñado en destrozar la película ( Paul Schneider, grrrrr ), captaba bien el espíritu salvaje del cómic y era lo mejor que había hecho ese representante de la derecha más rancia “made in USA “, junto a la también primera hora de la libertina e irónica “Demolition man“, de Marco Brambilla. Dos historia futuristas con toques críticos que se venían abajo en un tramo final típico y sospechosamente similar. Claro, que a “Juez Dredd” la destrozaron los producotres, le quitaron metraje importante e impusieron todos los tópicos finales, más Stallone y menos propios del cómic. Estaría bien ver algún día ese montaje del director que fue prometido por un espacio breve de tiempo. En el film colaboró Chris Hall, uno de los dibujantes de esta obra. Pero tal vez lo mejor es que hicieran una adaptación como es debido: con un cineasta gamberro e iconoclasta tras las cámaras

ESCRITO ENTRE EDDIE HITLER Y STANLEY EL TERRIBLE

CON LA AYUDA DEL EQUIPO DE INVESTIGACIÓN DE

“BARCELONA” CREUTZFELD QUE A SU VEZ CONSULTÓ

LA ENORME BIBLIOTECA DE LELA DEVIN EN COLABORACIÓN

CON EL JEFE DE LA CÁRCEL DE LOS PAYASOS BEODOS Y

EXHIBICIONISTAS

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Los famosos y fascinantes crímenes de Jack el destripador realizados en 1888, en el barrio de Whitechapel de Londres forman parte de la cultura popular, son un mito, una leyenda que ha dado pie a, literalmente docenas y docenas de libros de ficción y no ficción, así como a una cantidad de películas, cuadros, series de televisión, canciones, etc…Muchas de estas obras valen la pena. Una de estas propuestas más ambiciosas, incluso rayando en lo pretencioso, de los últimos tiempos es esta densa novela gráfica, a veces fascinante, a veces plomiza. Está considerada una obra maestra. Opinión que no comparto, aunque admire otras obras de Moore.

El reputado guionista volvió a urdir un trabajo meticuloso , complejo, donde deja bien claro en los apéndices más largos que he leído en mi vida, su largo grado de autoexigencia y su obsesión por escribir una trama, que si bien no tienen nada que ver con la realidad , si resulte plausible.

Al contrario que que casi toda la literatura sobre el tema, Moore deja bien claro quien es su asesino y construye una historia esotérica y mágica, en la que los crímenes son el resultado de una conspiración monárquica por un lado , y por otro de una conspiración masónica, sacrificios incluidos.

El problema es que, aún siendo ficción, la historia es, en mi opinión, a ratos un disparate sensacionalista y no siempre es sólida, ni mucho menos convincente: ¿ Un asesino de 70 años? ¿Entra en la casa de su última víctima con las llaves de ésta? ¿ Su cochero esperándole durante horas ? ¿Siempre dejándose ver?.

El dibujo de Campbell es adecuadamente sórdido y describe muy bien ese Londres de la era industrial, tan sucio miserable y barrio bajero, pero ni él, ni Moore logran dotar de suficiente expresividad, ni mucho menos de emoción, a los personajes centrales.

Moore maneja una abundante bibliografía, la mayor parte inédita en España, incluido el que aparece como su libro de cabecera a la hora de confeccionar “ From hell”: “ Jack the ripper: the final solution” de Stephen Knight. Deja bien claro su pesimismo, su antimachismo, y ciertos vagos (no muy afortunados) toques moralistas. Leer este tocho, al mismo tiempo que los apéndices es una experiencia enriquecedora y a la vez necesaria para no caer en cierta confusión, pero leyéndolos queda claro que en algunas ocasiones no ha tenido rigor. Lo de la trama masónica recuerda a las paranoias conservadoras de “conspiraciones judeo-masónicas”y la historia del frágil y conmovedor Druitt, personaje que si bien está magistralmente definido, resulta torpe e intragable.

Claro que Moore es mucho Moore y con esta obra es difícil que hiciese lago malo, donde aparecen Oscar Wilde, “ El hombre elefante”, Aleister Crowley, William Olake, Robert Louis Stevenson, “Los asesinos de los páramos”, etc…

La parte final, puro viaje alucinógeno, es donde el autor de “Watchmen”da rienda suelta a todo su talento y destroza las posibles debilidades argumentales, con una gran carga hipnótica y mágíca.

Otro punto importante de “From hell” es que, al igual que “La liga de los hombres extraordinarios”Moore convierte el final del siglo XIX en una metáfora de los horrores del siglo XX. Aquí en concreto los 5 asesinatos de quien quiera que fuese Jack ( hubo incontables sospechosos ) son los que parecen iniciar una era de brutalidad y guerras. Un recurso con momentos efectivos, pero caprichoso y poco creíble porque no se sostiene racionalmente. ¿Qué tiene que ver con las guerras mundiales?. El propio guionista reconoce que los asesinatos no tenían nada de excepcional en una época donde la crueldad era moneda común, incluso sin salir del mismo Whitechapel. Es una intención fatua, inconexa, todo lo contrario que lo que explica el porqué Jack se convirtió en mito. Fue la incipiente prensa carroñera la que elevó al asesino a los altares de la fama, para hacer un gran negocio con él, ya desde el primer crimen. Una actitud premonitoria de toda la basura que vendría después. Inventaron historias, acusaciones, pruebas y hasta algunas de las cartas presuntamente firmadas por el destripador. Moore acierta aquí de pleno, su referencia al sensacionalista  “The sun” y la breve historia “ Dance of the gull catchers”que acompaña a “ From hell” que trata este tema es demoledora, casi redonda y retrata muy bien a todos los oportunistas que han querido hacerse famosos, a lo largo de los años con el tema.

“From hell” es un gran retrato de la época victoriana y una obra esporádicamente poderosa, que contó con una vapuleada adaptación al cine, a cargo de los hermanos Hughes “ El libro de Eli” con Johnny depp como inspector Aberline. Moore montó en cólera, y cargó contra ella. Lo mismo que con “V de vendeta” de James Mc Teigue y con guión de los hermanos Wachowski, una película que gustó a la afición y que dijo que era “ Una apología del terrorismo” esta frase en mi opinión no tiene nada que ver con la realidad y a veces, sólo a veces da la impresión de que Moore como suelen afirmar algunos de sus detractores no ve el mundo desde su propia fortaleza, sino desde un púlpito.

Con todo una obra estimable, si bien para el tema prefiero el libro de no ficción “Otoño de terror” de Tom Cullem

Dice Moore en un apéndice, que le resulta inquietante que a una de las” testigos “ de un crimen le despertara su gato al andar sobre cuello. Si esto lo dice con esa ironía que emplea tan bien se me escapa, pero da la impresión que lo a firma en serio extrañado. He tenido varios gatos y todos me han despertado andando sobre mi cuello, mi cabeza, mi pecho…Es una tontería, pero muestra la falta de rigor del guionista a la que me refería antes.

MR HYDE.

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