Con episodios como “Diez grandes funerales”, “Diez grandes películas norteamericanas hechas por no norteamericanos” o el estupendo “Diez grandes utilizaciones de la poesía en el cine”, a cargo de Paul Farley, nos encontramos ante un libro de lectura rápida que funciona como una declaración de amor al cine, con algunos toques mordaces de por medio.

Y todo ello a cargo de un numeroso grupo de críticos, novelistas y directores donde llaman la atención los nombres de Georges Pelecanos, el autor de “El jardinero nocturno” y cineastas como Kevin McDonald o el creador de una película tan hermosa como “Después de una noche” de Mike Figgis, del que muchos admiran su depresivo film “Leaving Las Vegas”.

Es particularmente interesante leer la lista de diez grandes thrillers políticos de McDonald, escrita poco antes que él mismo dirigiera precisamente uno, “La sombra del poder” ( el libro data de 2007 ), y la irregularidad de este tipo de trabajos de compensa con ritmo, con muchas anotaciones curiosas o que aportan cosas nuevas ( ahí resulta muy divertida la novelista Mavis Cheek con su comentario sobre “Rey de Reyes” ).

El capítulo dedicado a las drogas, a cargo del propio Richard T. Kelly contiene algo de moralina. El que realiza Geoffrey McNabb sobre el gran Paul Verhoeven, no queda claro si es una reivindicación o un ataque hacia el cineasta holandés. Hacer notar el de Matt Thorne con su “Diez lances imprevistos al final”. ¿De verdad no ver venir el final de la reivindicalble “El corazón del Ángel” de Alan Parker donde Robert de Niro interpretaba a Lou Cypher?¿O el de “Sospechosos habituales o el de “The game?

Pero éstos son los menos y gente como el mencionado Farley, las grandes reflexiones de Ian Christie o Kaleem Aftab, elevan el nivel del libro, que claro que sí, reconoce que el mejor final de la historia del cine es el de “Grupo salvaje”. Claro que mejor que el final es la matanza previa, tal vez la mejor secuencia de acción a su vez, aunque más que esa mítica escena me gusta su preludio, sobre todo cuando William Holden le dice a Warren Oates: “vamos” y el otro lo mira y contesta: “¿Por qué no?”.

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Por desgracia, aunque también es verdad que cada vez menos, no han abundado casi nunca los buenos libros de cine escritos en el país. Aunque también es verdad que gracias al buen hacer de varias editoriales se han traducido y editado en España muy buenos libros originarios de otros países. Pero gracias en gran parte al buen hacer de varias filmotecas y festivales de cine, en los últimos años la calidad de las obras publicadas en España han aumentado considerablemente.

En este grupo de libros interesantes de reciente publicación hay que meter “Alex de la Iglesia – La pasión de rodar”. Destacable por un lado porque los dos críticos que han escrito el libro, Antonio Santamaría y Jesús Angulo, son dos curtidos críticos en esto de escribir sobre cine y sobre todo por la plena implicación del cineasta en el proyecto, lo que ha hecho subir la calidad final de la publicación.

El libro consta de dos partes diferenciadas. Por un lado el análisis crítico y cronológico a la obra del cineasta desde su corto “Mirindas Asesinas” hasta “La chispa de la vida”, su último trabajo hasta el momento. Y por otro lado y sin duda lo más interesante del libro, la entrevista de ambos críticos al director. Es donde Alex se explaya en contar todo lo referente a su obra y persona. Desde sus gustos cinematográficos, su pasión por el cómic, sus iniciales inquietudes culturales, su forma de rodar y anécdotas surgidas en los rodajes, etc. Todo ello acompañado por material gráfico en forma de páginas de storyboard o de las viñetas y comic que Alex dibujaba en sus inicios antes de dar el salto a la dirección.

En definitiva y como comentaba antes, un libro a la altura de un cineasta de nivel. Uno de los mejores narradores que ha dado este país en mucho tiempo y que por suerte y cómo se puede leer en este libro es casi tan interesante escucharlo hablar de cine y de todo lo que le interesa como ver sus películas.

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CINE REALIZADO POR ARTISTAS

CARLOS TEJEDA

Prólogo de Hilario J. Rodríguez

Ed. Cátedra, 2008

«Con este libro ―explica el autor en la introducción―se ha pretendido un acercamiento a esos difusos límites entre arte y cine desde el punto de vista del artista tratando, al mismo tiempo, de ofrecer una panorámica sobre las experiencias desarrolladas dentro de este terreno.» Efectivamente, lo que Carlos Tejeda nos presenta es un vasto paisaje de lo que ha sido el cine experimental desde los comienzos hasta nuestros días. El cine tanto el realizado por artistas como por cineastas en colaboración con artistas plásticos. Obviamente, al hablar de este tipo de cine nos estamos refiriendo a algo muy diferente de lo que se ha llamado cine al modo comercial, incluso de lo que se considera propiamente cine hoy en día.

En el prólogo, Hilario J. Rodríguez nos confirma esta idea, al afirmar que al igual que no podemos hablar en los mismos términos de una obra de Ingres y de otra de Mondrian, tampoco podemos poner a cineastas como Joseph Cornell o Kenneth Anger en el mismo nivel que Oliver Stone o Steven Spielberg.  Son categorías, pues, distintas. La diferencia es equivalente a la que podemos observar entre el arte figurativo y el arte abstracto. El cine que ha sido experimentado por los artistas plásticos se acerca mucho más a la abstracción. No tratan tanto de contarnos una historia, como de plasmar unas imágenes en movimiento, captar el movimiento de colores y formas, captar el paso de las imágenes, el fluir del tiempo, la velocidad y el vértigo: abstracción pura. Y sin embargo, ―nos explicita muy acertadamente el prologuista―  hay una distinción básica entre abstracción y figuración: el modo en que recordamos las obras; recordamos apuntes sensoriales relacionados con la luz, el color, la textura y el sonido. Y también recordamos las emociones que sentimos al vivir esas imágenes.

El ensayo está dividido en dos partes más generales: la primera se ocupa de los conceptos alrededor del movimiento, recopilando los distintos inventos desarrollados antes del cine propiamente, y que desembocaron en las primeras proyecciones públicas. La segunda es la que entra en la materia de lleno: qué hace un artista con una cámara en vez de con un pincel. O con ambos. Inicia aquí un recorrido que, comenzando con las vanguardias históricas, estudia los pasos dados, incluso los proyectos fallidos, por una larga lista de artistas que han usado de la cámara como de los pinceles, y de la pantalla como el lienzo, además de otra serie de ingenios y armatostes a cual más pintoresco. Los resultados han sido dispares, pero la idea central del ensayo no se para tanto en los resultados como las experiencias, los experimentos, el esfuerzo de muchos artistas por conseguir dominar el movimiento de la realidad, y plasmarlo, reproducirlo o imitarlo del modo más creativo posible.

Así, los expresionistas alemanes   hacen que el escenario, los juegos de luces y sombras, las vestimentas, todo esté en función del efecto plástico general, por lo que la forma―una forma teatral, claramente derivada de Max Reinhardt― prima sobre el contenido narrativo, cuando lo hay; los futuristas tratan de primar la sensación  vertiginosa de las imágenes, el fluir del tiempo coloreado;  los dadaístas y surrealistas hacen destacar su ideario: los sueños, las imágenes oníricas, y el automatismo que hace brotar el inconsciente en formas y colores. Hasta el momento en que se produce el primer Armory Show (1913) en Nueva York, es en Europa donde están focalizados los experimentos limítrofes entre arte y cine. Cuando, tras la eclosión nazi, los artistas y los cineastas emigran a Estados Unidos, se traslada allí la experimentación. Es, por ejemplo, el caso de Hans Richter y  Joseph Cornell, Man Ray, Marcel Duchamp…

Así, a partir de los años cuarenta se produce la llamada segunda vanguardia en América, que tiene su momento de mayor brillantez hacia los años sesenta. Hay que destacar el cine de animación experimental que sigue la línea de Richter, y donde destaca Douglass Crockwell, un conocido ilustrador americano que usando objetos reales, plastilinas y papeles, consigue formas abstractas en su animación. Los años sesenta  producen, pues, diversas manifestaciones: el Underground, que comenzó en los cincuenta; las revistas de cine Cahiers du Cinema y Film Culture que encauzan la crítica y la popularización de las nuevas tendencias. Tanto el expresionismo abstracto como el Pop Art (Andy Wharhol con la Factory lidera los múltiples experimentos visuales y sonoros) producen continuas novedades y exploran nuevos caminos.

Dos polos concentran la atención del mundo artístico: Nueva York y Los Ángeles. Así, el llamado cine estructural prima la ausencia de narración a favor de la estructura serial de imágenes, cercana al minimalismo. Los artistas trabajan con distintas opciones, manipulando la película: en el modo de usar la cámara al rodar; en el proceso de revelado e interviniendo directamente en la propia tira de celuloide, (rayándola, pintándola, etc); por otra parte, la proyección de la película y su propia percepción por parte del espectador concluirían los elementos de todo el proceso fílmico. Otros tipos de cine experimental son visitados por el autor en este su itinerario por las distintas manifestaciones de esta época: el cine métrico, en el que destaca Kubelka, el cine de destellos, de Paul Sharits, el lirismo abstracto de Brakhage o  Jordan Belson; el cinetismo de Robert Breer; el conceptualismo de Harry Smith…y otros muchos.

La irrupción del ordenador en el mundo artístico supuso, ya en los cuarenta, la apertura de una puerta a un nuevo e inmenso campo de experimentación. En los comienzos, los hermanos Whitney experimentan con los primeros ordenadores, y  gran cantidad de artistas continuaron en esa línea. En Europa, por otra parte, en el campo de la animación experimental destacan entre otros,  Lapoujade, Alexeieff, y W.Borowczyk. Dedica el autor una breve mención a España.

De los sesenta al fin del siglo XX, el enfoque de los artistas hacia el cine se bifurca en dos opciones, ya habituales: como medio para documentar intervenciones, performances, etc. (como hizo Beuys) o bien como herramienta creativa, haciendo que la película sea la obra artística o que forme parte de una estructura mayor (Bruce Nauman). Muy interesante la mención al uso de la cámara por parte de Dan Graham, en su film/performance Body press, en el que la propia cámara en acción es parte de la performance. Los filmes como documento-reconstrucción son  otra versión: destacando Robert Smithson, Richard Serra, John Baldessari… Desde el enfoque del film como obra de arte en sí mismo, el autor nos analiza la obra del artista belga M. Broodthaers, y el francés Martial Raysse. Y en cuanto a los artistas que a la vez son cineastas, en un equilibrado tamdem, destacan sobre todos la obra de David Lynch y la de Peter Greenaway, muy por encima del resto.

La reconstrucción del trabajo del artista, del proceso artístico, ha sido el objeto de algunos cineastas, como es el caso de H.G. Clouzot, con Le mystère Picasso (1956), filme que muestra la temporalidad de la ejecución de la obra, captando a su vez la personalidad del gran artista malagueño. La otra cita es para Víctor Erice y su magnífico trabajo El sol del membrillo, en el que filma a Antonio López trabajando. Finalmente analiza el autor la película como soporte pictórico, destacando a Norman McLaren como un grandísimo innovador en este aspecto.

Una extensa sección de Bio-Filmografías completa el libro, que está abundantemente ilustrado (178 imágenes). En suma, un trabajo de investigación muy completo y documentado. Altamente recomendable para artistas y amantes de la historia del arte y de la cinematografía, en general.

Ariodante

Marzo 2012

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Pero no es tan conocida su auténtica personalidad. Marilyn Monroe era una persona extremadamente frágil y sensible pero también culta, inteligente y con unos sólidos principios: luchó contra el racismo, la caza de brujas y fue la primera gran estrella de Hollywood que creó su propia productora, dándole con la puerta en las narices a los grandes estudios hollywoodienses.

Antes de leer este libro  había leído en un fanzine un artículo firmado por una tal “Diana pornoterrorista” en el que me enteré, entre otras cosas, que de Miss Monroe, esa mujer poseedora de una belleza casi irreal, tenía un cociente intelectual de 200, se carteaba con Einstein y leía cinco libros a la semana. ¿Exageración? Parece ser que no. Ya cuando era una principiante de 20 años, poseía una biblioteca propia de más de 400 libros y a lo largo de los años cultivó la amistad o la admiración de gente tan dispar como Carson McCullers, Norman Mailer, Truman Capote, Pasolini, Karen Blixen y un largo etc. sin olvidar que estuvo casada con Arthur Miller. Vamos que las fotos en las que se la ve leyendo eran más que una estrategia promocional.

Esa imagen intelectual aún no ha calado en el público llano por culpa de films como “Bus Stop” ( film que personalmente detesto ) y por su explosivo físico, pero Marilyn Monroe fue mucho más que la protagonista del mejor meneo de culo de la historia del cine, tal como se pudo ver en la memorable “Con faldas y a lo loco” de Billy Wilder ( ¿cuánta gente sabe que se trata de un remake de un film alemán de los años 30? ) Tony Curtis afirmó que él nunca dijo la famosa frase “Besar a Marilyn era como besar a Hitler” que tantos le atribuyen y que tanto ha distorsionado la figura de la actriz, nacida Norma Jean.

Con edición de Stanley Buchtal y Bernard Comment, y un magistral prólogo de Antonio Tabucchi, “Fragmentos” recoge todo tipo de antoaciones personales de la actriz. Hay que resaltar que muchas de esas notas están embarulladas, es difícil saber en algunas de qué hablaba realmente ( eso sólo podría saberlo ella. Pero pese a toda la confusión que desprende, más el acompañamiento fotográfico de primera categoría, se llega a vislumbrar como era ese enigma llamado Marilyn Monroe, una persona proclive a la alegría y alejada de la felicidad, una contradicción andante.

Sus intereses artísticos, sus fracasados matrimonios ( su gran compañera fue la soledad ), sus sentimientos depresivos y delicados, sus contradicciones, frases de una dureza y lucidez inesperadas (“Todo el mundo lleva la violencia dentro. Yo soy violenta” ), otras que muestran gran desolación ( “…sé por la vida que no se puede amar a otra persona, nunca, realmente”) o desesperación ( “Vienen las formas de monstruos, mis más leales compañeros…”). Pero también fortaleza, ganas de vivir y de luchar, de no instalarse en la mentira aún cuando la realidad sea muy dura. De aprender, de formarse continuamente, de vencer la infancia traumática y represiva que sufrió.

¿Marilyn s esuicidó, fue asesinada o fue un triste accidente? Hay pensamientos suicidas, pero la lectura de estos textos también nos revela que no parecía alguien que fuese a rendirse. Libros como el de Donald H. Wolfe hablan claramente de asesinato por orden de los Kennedy, pero también como dice Tabucchi, “...de ella se podría decir que, como Sylvia Plath, se había suicidado porque era demasiado sensible y demasiado inteligente, y las personas demasiado sensibles y demasiado inteligentes sufren más que las personas poco sensibles y poco inteligentes y tienden a suicidarse ( eso lo sostienen tanto los psiquiatras como las estadísticas “).

Sucediese lo que sucediese, lo cierto es que casi 50 años después de su muerte, Marilyn Monroe sigue siendo demasiado sensible, demasiado inteligente, demasiado hermosa y demasiado especial. Y lo seguirá siendo hasta el fin de los tiempos. Y sobre fue, y será, demasiado diferente. Ella era consciente de esto y cuando en una de sus crisis, fue internada por error 5 días en un horrible centro psiquiátrico, dió muestras de ser muy digna, desafiante y con una fuerte personalidad. De ahí mi momento favorito del libro en la carta que le manda al Dr. Greenson relatando su terrible experiencia: “Me preguntaron por quyé me sentía “diferente”, de modo que decidí que si verdaderamente eran tan estúpidos tenía que darles una respuesta simple, de modo que les dije “es lo que soy”.

Parece ser que se preparan dos films sobre su vida, ambos protagonizadas por australianas. Una por Michelle Williams, que la pudimos ver en “Brokeback Mountain” y ex de otro malogrado artista, Heath Ledger, y la otra con Naomi Watts, una elección perfecta pues Watts aúna belleza, un rostro propio del Hollywood de antes, enorme talenta y gran inteligencia.

Un libro muy recomendable, pese a lo escueto de sus textos, para todo fan de Marilyn Monroe y también para todo curioso que quiera ver desmontados sus prejuicios sobre el mito.

 

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El autor del libro John Briley, escritor y periodista americano, conocido por escribir el guión de la película “Gandhi” en 1982, con la que ganó el Oscar al guión más original. En 1987 escribió el guión  de “ Cry freedom” la película producida y   dirigida por Richard Attenborough y  protagonizada por Denzel Washington como Steve Biko y Kevin Kline como Donald Woods, que tuvo tanto éxito que Briley escribió la novela basada en el guión.

La película está basada en dos libros que escribió Donald Woods después de escapar de Sudáfrica: “Biko” (1978)  y “Asking for trouble: the autobiografy of a baned jourlalist”(1980).

El ex presidente sudafricano Nelson Mandela,  reconoció que  Donald Woods es uno de los  que más han hecho por la democratización del país. No en vano,  dedicó su vida a la lucha contra el apartheid y que quedó inmortalizado en esta historia narrada desde perspectiva de Donald Woods. Un gran acierto , como reconoce  el propio director; Si no fuera por Donald Woods  Biko no habría sido conocido por el resto del mundo.
Woods conoce a Biko por casualidad, al verlo en unas  fotos tomadas durante un incidente. Al principio Woods se muesta crítico y no comparte la manera de pensar y actuar de Biko, pero poco a poco va cambiando su actitud. Es invitado por Biko a visitar una clínica de gente negra donde trabaja la doctora Mamphela Ramphele, una joven negra que con su aportación ayuda a ese cambio en Woods. Además cena con una familia , va conociendo las condiciones en las que viven y es fiel testigo de los efectos que esta causando el sistema del apartheid. Empieza a comprender a Biko, personaje con  una personalidad y filosofía  admirables.  De hecho tras leer el libro y ver la película tuve  curiosidad por  conocer más sobre el personaje real  en autobiografías de donde pude conocer  que por ejemplo : Definió «lo negro» de manera diferente cómo lo había hecho el ANC de Nelson Mandela (hasta alrededor de 1965) ya que incluía no sólo a los Africanos (negros), sino también a las razas mezcladas, los mulatos e hindúes, en aquél entonces, todos estos designados como «no blancos» por el Estado del apartheid.   En su manera de concebir “ la conciencia negra” impulsó una actitud y una manera de vivir positiva  y enriquecedora que en mi opinión merece la pena conocer.

Además esta obra sirve de testimonio y denuncia  de  incidentes como: La masacre de estudiantes de Soweto. (16 de Junio de 1976) donde  los estudiantes organizaron una marcha en protesta  por  la política educativa del gobierno que obligaba el uso del idioma Afrikaans en todas las escuelas, incluyendo las de los negros. 566 niños murieron a consecuencia de los disparos de la policía.
La iglesia donde Biko queria formar un centro para gente negra es destruida por la policía.  La cosa se complica, especialmente para Woods al negarse  a desvelar la identidad de un testigo negro.
Tanto Biko como Woods sufren las prohibiciones del gobierno.  Son censurados, no pueden publicar ni escribir, no se les permite abandonar  su área de restricción,  donde se  les limita el contacto con la gente.
En Septiembre de 1977, Steve Biko fue arrestado y muere a causa de las torturas a las que fue sometido por la policía.

El film concluye con una larga lista de nombres de detenidos políticos, fallecidos mientras se hallaban bajo custodia de la policía sudafricana, seguidos de la «causa oficial» de la muerte en todos los casos  totalmente falsa, camuflando la brutalidad policial  bajo explicaciones como accidentes absurdos, suicidios,  o en el caso   Steve Biko. “Huelga de Hambre”.

El final esperanzado con el plan de huida  para Woods y su familia,que quizás por ser blancos su destino ha tenido mejor desenlace y  sobretodo la gran apuesta que ha tenido al contarse la historia con los ojos de Woods, que con su obra da testimonio de  la realidad vivida en Sudáfrica en la década de los setenta e inmortaliza  a Biko.

Otro gran acierto es que al estar la obra basaba en el guión de la película, la hace muy recomendable para quienes quieren como yo mejorar su nivel de inglés. Yo personalmente primero leí el libro ( editado por OXFORD, lectura de nivel 6, de la colección OXFORD BOOKWORMS ), lo que me permitió fijarme en el vocabulario y en las expresiones usadas. Además el libro tiene un glosario con definiciones. Después ví la película en versión original, lo que contribuye a  educar el oído. Haber leído antes el libro ayuda a comprender mejor la película.
CRISTINA

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No sólo porque creó algunas de las mejores películas de la historia sino porque casi toda su obra fueron adaptaciones de novelas. Así, creadores tan dispares como Lionel White, Humphrey Cobb, Howard Fast, Vladimir Nabokov, Peter George, Arthur C. Clarke, Anthony Burguess. William Makepeace Thackeray, Stephen King, Gustav Hasford y Arthur Schnitzler fueron llevados a la gran pantalla por este lúcido misántropo que, ante todo, los utilizó para configurar un universo propio, tremendamente personal. Y lo hizo con la ayuda en los guiones de otros escritores importantes como Jim Thompson, Terry Southern, Dalton Trumbo, Diane Johnson y Michael Herr, o en el caso de “2001: una odisea en el espacio” del propio Arthur C. Clarke.  Basadas ambas en su breve y potente relato “El centinela”, película y novela fueron creadas al mismo tiempo y en el caso de la última, esta fue el inicio de una saga literaria que sólo tuvo otra adaptación al cine, la demasiado despreciada “2010. Odisea dos” de Peter Hyams.

Otros proyectos suyos como la adaptación de “El perfume” de Patrick Süskind no pudieron ser llevados a cabo pese a su larga preparación. Muchos años después fue el alemán Tom Tykwer quien lo consiguió con unos resultados estimable.

El hondo pesismismo del autor de “Barry Lyndon” era realzado por su famoso perfeccionismo formal rayano la gelidez. Muchos han hecho notar que parecía un extraterrestre observando, diseccionando a la raza humana y no lo afirmaban en tono peyorativo, pues su cine no excluía la emoción ni l a belleza, y “2001” una de las piezas clave de la ciencia ficción, es el mejor ejemplo de ello.

Todo ello está recogido en este libro por el veterano crítico Esteve Rimbau, que analizó su obra, recogió declaraciones del cineasta, de sus colaboradores y allegados, y claro, de algunos de los escritores adaptados. Famoso fue el berrinche que tuvo Stephen King, que arremetió contra su adaptación de “El resplandor”, una de las mejores películas de horror de la época ( gracias Jack Nicholson ) y de la que se cumplen treinta años de su estreno. Si no me equivoco en USA se estrenó con un metraje media hora más largo y es posible que, sea en reestreno o en DVD, por fín llegue esta versión a España.

La reprobable actitud de King fue debidamente contestada lo que no ha impedido que el escritor de Maine la vilipendiase a la mínima oportunidad durante décadas, y que auspiciase otra adaptación, esta vez en formato de miniserie televisiva, que fue llevada por su amiguete, el discutible director Mick Garris, que ya lo hizo acertadamente con su “The stand” o “La danza de la muerte”. De su carrera como cineasta mejor no hablar. Más generosa, abierta y humilde fue la postura de Nabokov, y contradictoria la de Anthony Burguess, que pasó de alabar “La naranja mecánica” a atacarla.

Este libro, repito, es un apreciable estudio. Escrito con Kubrick vivo. Falta, obviamente, su obra póstuma, “Eyes wide shut”. No es el mejor libro que se puede encontrar sobre este genio, especialmente en lo que concierne a su biografía.

Ver la obra de Kubrick bajo el prisma de la frase de Jean Renoir “un director emplea toda su vida haciendo una y otra vez la misma película” es algo exagerado y yo diría que inadecuado pero aqui están las claves principales de su filmografía y para el que no quiera leer un tocho sobre ésta y quiere huir, además, de la pedantería de ciertos críticos, este es un libro bastante útil.

En el momento de morir Kubrick, preparaba la adaptación de un relato de ciencia ficciónde Brian Aldiss que finalmente llevó Spielberg bajo el título “Inteligencia artificial”. Del  universo de “2001″ al de “E. T. ” o lo que es peor “Hook, el capitán garfio”. ¿Hubiese sido mejor la de Kubrick? Yo lo tengo muy claro, y eso que nunca me ha gustado “Atraco perfecto” y que “Minority report” es más que una buena adaptación de Philip K. Dick

UN HABITANTE DE VINNLAND

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El cortometrajista gore, crítico, fanzinero y colaborador del gran programa “Cuatro Milenio”, Manuel Romo, habla en este trabajo, de uno de los grandes clásicos, no ya del cine de terror, sino del cine en general, una de las películas más inquietantes, desasosegantes y enfermizas ( dicho como elogio ) de los convulsos años 70′, toda una joya del horror que causó una pequeña revolución en el séptimo arte. Muchos se metieron en esa casa de pesadilla y para cuando salieron ya no eran los mismos. Algo así como le pasa a la protagonista, destinada a pasar el resto de su vida en un manicomio y a ver el mundo como un gigantesco coto de cazadores aberrantes con su propia y obscena moral.

“La matanza de texas” fue una de las primeras incursiones, serias y rigurosas que el cine hizo en el horror, y de hecho es uno de los pocos viajes al infierno que el terror ha realizado desde entonces, al menos a un infierno dotado de un intranquilizador realismo.

Romo habla de su problemático rodaje. Del “Shock” que le causó  su primera visión ( como a tantos otros ), del enorme impacto que provocó, las variopintas críticas que recibió. Toda la conmocción, escándalo que rodearon el estreno y que nunca se han ido del todo. De la posterior y errática carrera de su director, Tobe Hooper ( “Poltergeist”, “Lifeforce” etc…), que tras realizar la estupenda y controvertida secuela del film que le garantizó la inmortalidad, se vió metido en subproductos y su carrera se ha perdido en los abismos para siempre, si bien algunos trabajos para TV poseen ciertas cualidades y son respetables.

Uno de los secretos del inmenso poder, primigenio y visceral, de “La matanza de Texas” es que más que provocar miedo causa ( causaba ) espanto. Un profundo horror.

El que escribe recuerda cuando lo vió con 14 ó 15 años, en el primer pase televisivo que se hacía en este país. Sería 1989 ó 1990 ( un pase que escandalizó y aunque “La matanza…” forme parte de la cultura popular asimilada, es improbable que en estos tiempos de “libertad” nos la encontremos en iguales condiciones ) y uno tropezó, nunca mejor dicho, con la famosa, perturbadora escena en la que el grotesco “Leather face” captura a una de las excursionistas, la cuelga de un gancho delante del cadaver de su compañero, y pone en funcionamiento la sierra mecánica. Me sentí congelado, paralizado, y todo sin ver una sola gota de sangre.

Al contrario de lo que aparenta, el film de Tobe Hooper apenas contiene gore y su fuerza, que convertía su visionado en toda una apariencia histérica, en una montaña rusa sensitiva y de mal rollo, se debía a toda la locura y depravación que se veían en pantalla, a lo reconocible que resultaba todo, con su factura casi documental y una banda sonora no compuesta de música sino de sonidos chirriantes y enfermos. Un film con un “crescendo” terrorífico, medido y preciso.

Es cierto que en la época ya se hacían films similares, a la sombra de la pavorosa realidad ( Manson, Vietnam… ), como la torpe e irregular “La última casa a la izquierda”, el debut de Wes Craven, que luego imitó el film de Hooper con “Las colinas tienen ojos”, y claro, luego vinieron secuelas y remakes, algunos nada desdeñables, pero la sabiduría escénica, la visceralidad de Hooper las superó todas ( salvo la también escalofriante “Deliverance” de John “Excalibur” Boorman, producción de Hollywood con actores famosos – Jon Voight, Burt Reynolds…- con una secuencia que pone los pelos de punta, la violación de Ned Beatty. ¿ la primera violación homosexual de la historia del cine? ).

Creadora del fetiche del psicópata enmascarado, descubrió nuevas e interesantes modalidades para la sierra mecánica. Es cierto que el tiemoo la ha perjudicado algo. Tal vez quien la vea ahora por primera vez la vea como un film de terror tópica, con algunos toques de humor negro ( me pregunto cuantos hongos y hierbas tomaron durante el rodaje. NO ES BROMA. Parece que descubrieron una plantación de marihuana y para que no cayera en manos desprensivas se la fumaron hasta las raices ). Es  un film que está muy arraigado en la cultura popular. Ha trascendido su género y nacionalidad y cuenta con varias secuelas, remakes, miles de imitaciones, cómics, canciones ( desde The Ramones a Siniestro Total ), muñecos, etc, – lo cual hace que tal vez cuando ahora alguien se asome por primera vez a esa ventana, la vea como otra de terror más.

El mismo Hooper afirmaba que en la época, en la que salían los horrores reales en los telediarios, el efecto de “La matanza…” había menguado, pero su esencia seguía ahí. No en vano ocupa un lugar privilegiado en miles de libros dedicados al terror y al cine en general.

Basada lejanamente en el “Psycho” de Ed Gein y en otros casos macabros de Texas, esta pesadilla tan veraz y falsamente surrealista tuvo, como bien analiza Romo, sus secuelas. El propio Hooper realizó la segunda parte en 1986 con el ahora recientemente fallecido Dennis Hopper. Una película con un toque distinto. Más gore, más humor negro, más chaladura. Tuvo multiples problemas con la censura y en España fue directa al video. Es una película que se merece su propio libro. No así “La matanza de Texas III” de Jeff Burr, con guión de de David J. Schow, y con Viggo Mortensen en el papel de uno de los integrantes de la familia de matarifes. Mucho peor aún era la aqui titulada “La matanza de Texas: la nueva generación”, “dirigida” por el productor de la original. Producto oportunista para sacar la pasta.  ( contaba con Renee Zellweger  y Matthew Mcconaughey ) Llamar a eso cine es hacerle un favor exagerado. Tras una quinta parte aqui inédita y que también huele a subproducto, llegó el correcto y desangelado “remake” oficial del 2003 a cargo de Marcus Nispel. Este film forma parte del Pack “todo por  la pasta” con el que su productor, Michael Bay, está masacrando clásicos del terror de los 70′ y 80′ – el siguiente fue “Pesadilla en Elm Street”, film digno, pese a todo-.

Todo indica que el “simpático” Leather face no ha acabado aqui. Su feo careto seguirá asomando, además, en todo libro que hable del terror moderno USA y su estilizada silueta siempre será recordada.

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Su nombre va ligado, en mi memoria, a la felicidad. Momentos como el de Tuco/Eli Wallach corriendo enloquecido por el cementerio, al son de la orgasmástica música de Morricone ( siempre él ) y el consiguiente enfrentamiento a tres bandas de “El bueno, el feo y el malo”, una película que es una gozada de principio a fin, la primera aparición de Henry Fonda en “Hasta que llegó su hora” o el lapidario sentido del humor de Clint Eastwood en los tres films de la llamada “trilogía del dólar“, son para mí de lo más grande que he visto. Leone me conmueve más que algunos de esos cineastas clásicos tan amados por él y a veces tan sobrevalorados.

Entre los numerosos cineastas maltratados y más tarde reivindicados por la crítica ( Takeshi Kitano, el propio Clint Eastwood, hasta algunos films de Hitchcock, etc…) pocos han puesto en duda la supuesta competencia la supuesta competencia de dichos plumillas, como el caso del cineasta italiano, que fue calumniado, insultado y desprestigiado de todas las peores maneras posibles. Menos mal que el público supo reconocer la valía de Leone y  convirtió casi instantáneamente sus films en clásicos. En este país fue un alivio que a finales de los 80′ y principios de los 90′ gente como Jesús Palacios, el hoy director Daniel Monzón, Jordi Costa o Pedro Calleja inyectaran sangre fresca y desprejuiciada a una profesión autocomplaciente y esclerotizada como pocas.

Uno de los primeros libros que Cátedra en su longeva colección signo e Imagen/Cineastas puso en la calle, fue este potente libro realizado poco tiempo después del fallecimiento de Leone, en 1989 ( por esas fechas también se fue el maravilloso Lee Van Cleef ). Es un libro al que personalmente le tengo cariño porque fue el primero que me leí de este estilo. Aguilar, conocido por su “Guía del video-cine” y también novelista de serie negra y fantástica ( “La interferencia” ) es un crítico tirando a clasicote que, con los años y merced a libros tan involuntariamente delirantes y cómicos como el sensacionalista y en el fondo divertidísimo “El libro de Satán” escrito junto a Frank. G. Rubio, uno trata de evitar. ( no hace mucho publicó uno sobre el gran Clint Eastwood, del que, como director ya no ponía muy bien en el dedicado a Leone. Lo he ojeado y me ha dado miedo lo que decía sobre los films de Iwo-Jima, aunque no llegará a las carroñerías que ha escrito no hace mucho cierto innombrable anglosajón ).

Este colaborador de la revista de cine fantástico “Quatermass” ( donde, y lo han dicho muchos aficionados y hasta algún crítico, a veces casi parece odiar este tipo de cine y masacra buena parte de la películas, hace en “Sergio Leone” un peyorativo repaso por el Spaguetti Western, pero hay que reconocer que no es el típico libro de cine.

Su estructura es insólita, recoge jugosas y emocionantes declaraciones y su estudio del cineasta es, en general, convincente y hasta enriquecedor por momentos. Su elogio de ” 1997, rescate en Nueva York”, de John Carpenter es conmovedor. Llama la atención que declarándose fan del italiano y repartiendo sana justicia vengadora contra sus detractores, deje para el arrastre de las escasas siete películas que por desgracia sólo llegó a dirigir.

Sea como sea, es un buen y hasta entrañable libro dedicado a uno de los directores más influyentes del cine moderno, aunque Leone aún se merece libros mejores que este, y por supuesto, críticas mejores que esta.

EL CAZADOR DE ” LA GACELA DE BOMBAY”

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Primero

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¡Sabias y emocionantes palabras! “Und detz et was ganz neves”. Esto es magiar antiguo, no de la actual Hungria sino el que aún se habla en algunas cordilleras recónditas de la actual Grecia y que quiere decir “And now for something completely diferent”. Así empezaba el maravilloso programa de TV “Monty Python flying circus”. Siempre se ha dicho que el mundo se divide entre dos tipos de personas: los que creen en dios y los que no, los que han leído “El señor de los anillos” de Tolkien y los que no….¡Mentiras, mentiras y más mentiras!. El mundo se divide entre los que admiran a los Monty Python y los que no les gustan, y por ello merecen ser torturados, fusilados enla horca y tirados sus restos a un pozo lleno de caimanes mutantes y tiburones blancos.

Exageraciones aparte ( con una paliza sobra), los Monty Python, los humoristas favoritos de los leñadores de todo el mundo, o lo que es lo mismo, 4 ingleses, 1 galés y 1 yanki escapados del frenopático tras saquear una fábrica – o dos – de whisky, revolucionaron el humor con su inteligencia, imaginación, surrealismo, cultura y una tremenda y necesaria mala leche.

Con la ayuda del sufrido periodista Bob McCabe, y en base a declaraciones de los propios Monty Python y de la gente más cercana a ellos, este estupendo libraco repasa sus vidas, cómo se conocieron, la filmación del citado programa de TV ( ¡El mejor de la historia! ), sus encontronazos con críticos, sacerdotes, público, censores, productores y buena parte de la humanidad, el rodaje de sus películas como la aqui absurdamente titulada “Se armó la gorda” (¡La expedición a los dos Kilimanjaros!) y que era una “adaptación” al cine de su famosa serie “Los caballeros de la mesa cuadrada”(¡Los caballeros que dicen ni!¡El conejo asesino!), “La vida de Brian”, un alegato contra el fanatismo religioso y no una burla de la figura de Cristo aunque algunos paletos aún no se hayan enterado ( “¡Yo no soy vuestro mesías!” “¡Sí que lo eres”! “¡Lo sabré yo que he seguido a unos cuantos”!) y la magistral “El sentido de la vida” ( poema exquisito de Eric Idle:”La peli lo tiene todo, todo lo que tú quieras, del sentido de la vida, a tías con grandes peras”). Su separación, la trágica muerte del grandioso, añoradísimo Graham Chapman, sus fallidos intentos de regreso y un bonito y largo etc.

Cineastas, actores, músicos…los Monty Phyton fueron seis fuertes personalidades que dejaron su huella en eso tan difícil que es hacer reir. En España Faemino y Cansado han chupado mucho de ellos y siempre lo han afirmado, caso contrario a estos dos discípulos aventajados, son todos esos “cómicos” que los han plagiado directamente en estúpidos programas de TV, que van de graciosos por la vida y nunca lo han reconocido.

Seis maravillosos tarados con los nombres de Terry Jones ( la espina dorsal del grupo ), Terry Gilliam ( tal vez el único que nunca ha dejado de ser un Monty Python. Así lo demuestra su algo irregular pero fascinante carrera como director en películas como “Miedo y asco en las vegas” o ese hermoso y retorcido cuento que es la polémica “Tideland“. Un consejo. Si Gilliam rueda en vuestra ciudad ¡Iros lejos! Porque siempre, siempre, pasa algo. Hace poco estuvo en Valencia en las fallas. Si me llego a enterar me voy a nado hasta Marruecos después de mandar a un conejillo de indias para que me firme un autógrafo. Fuera bromas, a ver si puede firmar de una vez su versión de “El quijote”), Graham Chapman, un dibujo animado de carne y hueso, que como dicen en el libro tuvo el mal gusto de morirse antes de tiempo y dejarnos sin su presencia en este triste mundo. Como olvidar su papel de rey Arturo en “Los caballeros…”¡Esa mirada!. Eric Idle (el compositor, una de las presencias más joviales, alegres, que he visto en una pantalla). John Cleese, ( otro dibujo animado y el único que los dejó un tiempo. En el libro da sus explicacines ¡ Traición, traición!) y Michael Palin ( se supone que el más normal de todos ).

Los Python fueron gente respetuosa con los demás (“luego he fumado un poco con Neil. Hemos salido a dar un paseo y nos hemos liado a insultos con un hincha del Celtic que paseaba por ahí en bici”. ¡Del diario de Michael Palin, el más normal….!) y entre ellos ( sólo les faltó liarse a hostias). Directores que siempre supieron lo que hacer: “En la primera toma, al empezar, la cámara se rompe. ¡En mi primera toma!. ¿Y qué hacemos? Pues precisamente lo que un director no debe hacer nunca…”. Personas sanas, equilibradas ( el término “beber como esponjas” casi lo inventaron ellos. Se les vió asaltar y vaciar barras enteras cual hunos sedientos ) y conservadoras ( ¡ el gag de la boda entre cinco hombres ! ). Siempre respetuosa con su público ( Terry Gilliam llamó de todo a los que abandonaban la sala en la proyecciñon de “Tideland” en el festival de San Sebastián).

Este lujoso libraco cuanta todo lo que interesa y todo lo que no interesa de los Monty Python. Desde que uno vió “El sentido de la vida” con 14 años, nada ha vuelto a ser lo mismo. De hecho me gustaría vivir en un mundo absurdo como el de su serie y no en el triste mundo absurdo real. La vida y el mundo son una broma pesada y con los Python siempre he podido reirme de todo esto. De hecho mis amigos ya saben que si tengo el detalle de palmarla antes que ellos, quiero que me exhiban en el tanatorio con la lengua fuera y con una nariz de payaso. Evidente influencia de Graham Chapman y Cia. Y luego que me incineren y se fumen mis cenizas .

Pues eso. Un libro ideal para todo seguidor de los Python. ¿Qué tú no lo eres? No pasa nada. Es un libro tan, tan grande, tan pesado y con la tapa tan dura que siempre puedes comprarlo y utilizarlo como arma de defensa en la cabeza de tus políticos favoritos o de quien llama a tu puerta para venderte cualquier cosa en la hora de la siesta. Acabada la masacre y cubierto de sangre tendrás que reconocer que el espíritu de los Monty Python no está tan mal y que es algo necesario en el mundo mediocre en el que vivimos.

Cierto es que se echan en falta más anécdotas gamberras, algo no muy sorprendente en este tipo de libros ( ¿el punk? ¡ lo i nventaron ellos! no “The sex Pistols” o “The Stooges” ) pero es un defecto menor, una minucia, y es que, como cantaban en el emocionante final de “La vida de Brian”: “Mira siempre el lado  positivo de la vida”. Y recordad que “¡Nadie escapa de la inquisición española!

NOTA FINAL: Alguno/a  encontrará esta crítica estúpida o sin sentido. Completamente de acuerdo. La culpa es de, toda toda toda,y más, de MONTAG, que me ha retirado mi medicación. Quéjense exclusivamente a él o pasense a presentar una reclamación en la redacción de MeLibro. El redactor de guardia les atenderá ( si está sobrio, claro )

Ganándose el despido: J.J HOLDEN

2ª NOTA FINAL: Es maravilloso visionar en vivo el musical “No es un mesías ¡Es un sinvergüenza!, basado en la vida de Brian. ¡Los Monty Python reunidos y dando un gran espectáculo! Recomendable para cualquiera de sus seguidores. Y es que, ¿qué han hecho los romanos por nosotros?

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Habitual de Michael Curtiz o Raoul Walsh, la imagen estereotipada de Flynn en la pantalla se queda pequeña al lado de lo que fue su apasionante, turbulenta y gratificante a la vez, vida.

La mitomanía facilona lo presenta como un simpático caradura aventurero, amigo de las fiestas, mujeriego, con gran afición por el alcohol y las drogas ( las probó casi todas ). Pero Flynn fue eso y mucho más. En este muy notable libro el propio Flynn se encarga de montar, desmontar y volver a montar su propio mito. Errol Flynn fue una contradicción andante. El heroe con profundas inquietudes culturales, el caradura que se indignaba ante las injusticias, el mujeriego sensible, un trabajador con alma de gandul, el hombre al que le encantaba estar rodeado de gente y que también buscaba la soledad. Una persona a la que acabaron, como siempre injustamente, de casi todo. Un hombre que reconoce que no se comprendía a sí mismo. El mito que murió con 50 años tras haber vivido 50 vidas.

Llegó a detestar el estereotipo fílmico en el que se había convertido hasta tal punto que sentía rechazo por su propio rostro. Fue injustamente acusado de violación y se comprobó que era inocente. Pero la magnitud de lo que se vió obligado a soportar le hizo mella psicologicamente. Fue de los primeros en enfrentarse al esclavista y extinto sistema de trabajo, donde las estrellas estaban obligadas a trabajar con abusivos contratos para una determinada productora.

Fue un individualista de verdad, un aventurero, un rebelde, alguien con una curiosidad tan grande por la vida, que la devoró y ésta le devoró a él. Bromista y pícaro. Frívolo y divertido. Llegó a juguetear con el suicidio y cayó en el alcoholismo y en las depresiones. recorrió casi todo el mundo, especialmente a través de su adorado mar. Fue buscador de oro, plantador de tabaco, marinero y mil oficios más. Sus años de aventurero a una temprana edad en Nueva Guinea definieron su trayectoria posterior. Tanto como el año y medio que pasó luego haciendo teatro en Inglaterra. Estuvo brevemente en la guerra Chino-Japonesa y en la guerra civil Española donde fue el enfurecido testigo del asesinato de un sacerdote. Años antes mató a un indígena en defensa propia. Se acostó con todas las mujeres que pudo y siempre hizo equilibrios entre su lado hedonista y gamberro y su faceta más inquieta.

Parece ser que algunas anécdotas que narra en el libro podrían no ser ciertas. Da igual. Flynn demostró que sus inquietudes como escritor estaban justificadas y realizó una obra tan elegante y reflexiva como salvaje y gamberra, siempre sólida. Que fuese un caradura con un morro que se lo pisaba, no impide que tuviese su propia y gran integridad.

Podría haber contado muchas más cosas. Pasa por encima de muchas de sus conquistas de muchos de sus rodajes ( odiaba casi todas sus películas ). No habla de su relación con Fidel Castro. Su spuesta faceta bisexual y de organizador de orgías con las que muchos le relacionan, aqui no existen.

Sí que hace gala de un fino sentido del humor con frases dignas de groucho marx: “Creo posible afirmar que mi comportamiento en los burdeles ha sido siempre ejemplar. Son las únicas instituciones que no me han rechazado nunca”. Muestra perfectamente su filosofía de vida: “Solamente se vive una vez ( sí amigos, eso es cierto para todos ), así que disfrutemos, bromeemos, hagamos payasadas, bromas – y conquistas, actos de romanticismo, deporte y naveguemos en balsa por el río grande – risas y buena vida hasta que se nos cierren los ojos de sueño por la noche”.

Flynn era consciente, por un lado, que era difícil que llegase a viejo ( y esto lo dicen los que lo conocieron, no está en el libro ), pero por otro lado parecía sentir que aún le quedaba mucho por delante en la triste frase final del libro. Triste porque no se cumplió y Flynn murió muy poco después. Es un bajón leer ese final. Es más fácil imaginarse al actor zambulliéndose en todas las movidas que los años 60′ trajeron consigo. Disfrutándolo casi todo y apuntándose a lo que hiciera falta, a la vez que encontrando por fin ese papel que siempre deseó y nunca encontró, en plan crepuscular.

Una inyección de vida, un libro muy recomendable incluso a quien no le interese el cine de Errol Flynn ( yo no veo una película suya casi desde la infancia ).

Como curiosidad decir que ese amor por la aventura se la contagió a su hijo Sean. tras unos inicios en el cine de serie B, Flynn hijo fue corresponsal en la guerra de Vietnam y allí se quedó. Desapareció en Camboya y nunca más se volvió a saber de él. Probablemente a él y su equipo los mató el Vietcong, el ejército norvietnamita o los Jemeres rojos. Ahora, que si me dicen que estuvo 20 años viviendo por esas selvas, conquistando a las indígenas y montando las mejores fiestas del sureste asiático, pues me lo creería. Además, sería más bonito.

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